Red Baron Blues Blog

Ben Harper e The Blind Boys of Alabama

2011-08-25T13:10:00.000-07:00

Acabei de ver no ótimo Arapa Motor Rock e não pude deixar de indicar aqui, assista aos vídeos de Ben Harper e The Blind Boys of Alabama.

O que era pra ser apenas uma parceria em uma música, entre o Ben Harper e o grupo "Blind Boys of Alabama", acabou resultando em um DVD completo, tamanho o entusiasmo que a experiência proporcionou para ambos os lados. Sorte do público, que saiu ganhando com toda essa empolgação, e já agradeceu. "Live At The Apollo" é um excelente e apaixonante trabalho, que traz todo o talento de Harper, incrementado pela competente roupagem dos "Blind Boys Of Alabama".

O resultado é pra lá de impressionante, dando às músicas, na sua maioria belíssimas composições de Harper, um clima muito forte. Show gravado em 12 de outubro de 2004 no Teatro Apollo em Nova Iorque, um dos mais famosos do mundo.

Todas as canções são interpretadas por Ben Harper & The Blind Boys, com exceção da faixa 1 onde Harper nos traz uma performance solo.

Copiei o texto na cara dura do Arapa Motor Rock.

Give a Man Home

11th Commandment & Well Well Well

Camisetas

2011-08-25T11:46:00.000-07:00

Salve fiéis leitores do Blog!

Estou pensando em colocar à disposição essas estampas. O que acham? Conhecem algum fornecedor bom que podedria fazer um trabalho de qualidade ( Tanto a malha ser boa como a qualidade da impressão!)

Alguém ae compraria camisetas com estampas temáticas sobre Blues?

Nina Simone e Status Quo

2011-08-23T09:36:00.000-07:00

Para curtir a terça-feira!

Nina Simone - House of the Rising Sun

Status Quo Little Lady Live in Madrid 1975

Nina Simone - Blues for Mama

Status Quo - Roadhouse Blues

Nina Simone - Here Comes The Sun

Buddy Holly

2011-08-22T15:11:00.000-07:00

Pra encerrar a tarde e iniciar a noite, curtam o som maravilhoso Buddy Holly!

Everyday

Oh boy!

Rave On

It Doesn't Matter Anymore (Original Stereo)

FARRAZINE # 23

2011-08-22T10:56:00.000-07:00

Atenção respeitável público! A mais nova edição do Farrazine está no ar!

E dessa vez a edição sai do forno junto com o projeto "AGOSTO PRA TUDO" da República dos Quadrinhos do nosso companheiro Beto Potyguara!
Esta iniciativa já está no ar e você pode ler mais detalhes nas páginas do Farrazine.

Uma visão divertida do reboot da DC feito por Ed Palhares e MauMoraes. Temos também a participação de Doug Lira e seu "Traço a Traço", além de uma linda tirinha de Alberto Pessoa e dos Quadrinhos Gonzo, de Jussara Nunes!

Pablo Grilo estreia com o conto "Andanças por um Local Distante", e temos também "Vicent & Van Gogh" de Manassés Filho.

Continuamos com uma supermatéria sobre Graphic Novels autobiográficas assinada por Rafael Martins; Nano Falcão analisando os filmes da Marvel e DC no cinema; Fernando Schittini esquadrinhando Dream Theatre; além das participações habituais de Rita Maria Felix da Silva, Rafael "Hiro" Machado Costa, Brenno Dias, Rafael Oliveira, Red Baron Blues, Bráulio Taumaturgo e etc...

E para não perder o hábito das entrevistas, trazemos uma bacanuda com a galera do "Pipoca e Nanquim".

Chega de detalhes agora, não é? Vai, clica aí embaixo e leia o Farrazine #23!!!

Publicado em 20.08.11. 86 páginas.

http://migre.me/5wuBO

Música Independente - free downloads

2011-07-02T07:10:00.000-07:00

Minha idéia principal era fazer um podcast pra divulgar o pessoal que tem feito um som bacana de forma independente, colocaria algumas sequencias de músicas, mas não tenho plena certeza se esse tipo de trabalho será bem recebido. Por isso deixo alguns links abaixo com a amostra dessas bandas. Todas encontradas no ótimo Jamendo, recomendação do amigo Emerson do CulturalNOT.

Se acharem que é viável fazer um podcast, deixem nos comentários... por favor!

*Download Freeky Cleen

*Download Freeky Cleen & Dickey F.

*Download Jabberheads First

*Download Strangers With Shoes - Robin Grey

*Download Long road to the honest - JJ LlombArt

* Todas os álbuns foram disponibilizados pelos próprios artistas no site Jamendo

Rock Psicodélico de Jefferson Airplane

2011-07-02T06:28:00.000-07:00

Estou preparando novas postagens para o blog ao som de Jefferson Airplane.

Volunteers - Live at Woodstock 1969

Foram os pioneiros de rock psicodélico, formada em São Francisco no verão de 1965. Várias encarnações posteriores do grupo original continuaram a tocar sob nomes diferentes, um reflexo do passar dos anos e da formação da banda. Foram eles: Jefferson Starship, mais tarde somente Starship e posteriormente Jefferson Starship The Next Generation.

Seus hits mais famosos como Jefferson Airplane são Somebody To Love, de 1966, White Rabbit, de 1967; como Starship são Sara, de 1985, e Nothing’s Gonna Stop Us Now, de 1987.

A banda foi formada na costa oeste dos Estados Unidos durante o verão de 1965 no que foi posteriormente considerado o estouro da cena folk de São Francisco. O cantor Marty Balin reuniu-se com outro músico folk Paul Kantner, o guitarrista de blues, o vocalista de jazz e folk Signe Toly Anderson, o baterista Jerry Peloquin e o baixista Bob Harvey. A inspiração do grupo eram bandas como The Beatles, The Byrds e The Lovin’ Spoonful.

Sua primeira aparição pública foi em 13 de agosto de 1965, no clube The Matrix em São Francisco. Peloquin era um músico experiente, cuja rejeição ao uso de drogas por parte dos outros membros da banda acabou o tirando da banda logo algumas semanas após o início do grupo. Skip Spence então o substituiu na bateria. A banda gradualmente desenvolveu um som mais elétrico que levou à substituição de Harvey por um amigo de infância de Kaukonen, Jack Casady, em outubro de 1965. No mesmo ano assinaram com a RCA Victor e gravaram o álbum lançado no ano seguinte, Jefferson Airplane Takes Off. O álbum é bastante inspirado pela música folk.

No ano seguinte Spence foi substituído pelo baterista de jazz Spencer Dryden, e Anderson deu lugar a cantora Grace Slick, anteriormente do grupo The Great Society, também de São Francisco. Slick trouxe à banda sua poderosa voz contralto, bem combinado coma música psicadélica do grupo, como evidenciado em canções como White Rabbit (autoria de Grace) e Somebody to Love (autoria de Darby Slick, do The Great Society).

A transição para a notoriedade nacional começou com a aparição no Monterey International Pop Festival em junho de 1967. O festival levou bandas de diferentes cenas incluindo Nova Iorque, São Francisco, Los Angeles e Reino Unido, e a cobertura da televisão deu exposição internacional aos grupos. Tais bandas também participaram em diversos programas de televisão, como o The Ed Sullivan Show. A famosa aparição do Jefferson Airplane no show de Ed Sullivan apresentando White Rabbit é notável pelo uso pioneiro do Chroma key para simular a iluminação psicodélica das apresentações ao vivo da banda.

O grupo se manteve estável até 1970, tendo gravado mais cinco álbuns. O primeiro deles, Surrealistic Pillow (1967), incluía as canções clássicas White Rabbit (inspirada pela droga LSD, extremamente popular em São Francisco, em Bolero de Maurice Ravel e Alice no país das maravilhas de Lewis Carroll) e Somebody to Love. O nome do álbum foi sugerido por um dos produtores do álbum, Jerry Garcia, que mencionou que, de forma geral, o álbum era tão surrealista quanto um travesseiro. Garcia foi listado nos créditos do álbum como conselheiro espiritual.

Ainda em 1967, a banda mergulhou no acid rock com o álbum After Bathing at Baxter’s, um álbum com grandes suítes, demonstrando a qualidade de grupo com o rock psicodélico. Crown of Creation (1968) foi um álbum transitório, mais estruturado que o anterior. Inclui a canção de Grace Slick Lather, especulada ser para o baterista Spencer Dryden, com o qual supostamente teria um caso. No mesmo ano o Jefferson Airplane lançou Bless Its Pointed Little Head, registrando uma apresentação ao vivo no The Fillmore. Em 1969 lançaram Volunteers, um álbum mais políico, com destaque para as canções We Can Be Together, Good Shepherd e Wooden Ships. (Wooden Ships, que Paul Kartner escreveu juntamente com David Crosby e Stephen Stills, foi gravada tanto pelo Jefferson Airplane quanto por Crosby, Stills & Nash. Como ambas as bandas lançaram a canção no mesmo ano e foi escrita por membros de ambas as bandas, ambas as versões são consideradas como originais.)

A banda se apresentou no Festival Woodstock em agosto de 1969. Em dezembro do mesmo ano apresentaram-se no concerto na estrada de Altamont na Califórnia. O concerto, liderado pelos The Rolling Stones, foi marcado pela forte violência, como o incidente Gimme Shelter, que levou à morte do adolescente negro Meredith Hunter, fatalmente agredido em frente ao palco pelos Hell Angels (que haviam sido contratados como seguranças) sob alegação de ter sacado um revólver durante a apresentação dos Stones.

Apesar da banda ter lançado seu maior álbum de compilação em 1970 (The Worst of Jefferson Airplane), suas únicas novas músicas daquele ano foram disponibilizadas no single Mexico. O lado A contava com críticas ao presidente Richard Nixon e suas ações para combater a entrada de maconha nos Estados Unidos. O lado B marcou o início de uma obsessão de Paul Kartner pela ficção científica, que ele iria explorar pelo resto da década.

Balin decidiu deixar a banda logo após o lançamento do single. Logo após Kantner e Slick demitiram Dryden do grupo. Lançaram então Bark em 1971 e Long John Silver em 1972. Amobs os álbuns foram lançados pelo selo da própria banda, Grunt, que continou a ser distribuído pela RCA. O grupo substituiu Dryden por Joey Covington (que já havia participado no vocal do single Pretty as You Feel, de Bark). O legendário violinista Papa John Creach também reuniu à banda no início da década de 1970.

Durante esse tempo, Kaukonen e Casady começaram o projeto paralelo Hot Tuna, uma exploração do blues tradicional. Lançaram o álbum acústico Hot Tuna em 1970, e o elétrico First Pull Up-Then Pull Down no ano seguinte. Com o tempo, os dois músicos passaram a se dedicam mais ao novo projeto que ao Jefferson Airplane. (Na canção Third Week In The Chelsea, de Bark, Kaukonen detalha seus pensamentos em deixar a banda.)

O segundo álbum ao vivo da banda foi Thirty Seconds Over Winterland (1973), e é lembrado por sua capa, um esquadrão de torradeiras voadoras. Em 1974, uma coleção de material restante foi lançado como Early Flight, o último álbum oficial do Jefferson Airplane.

Fonte: Last FM

FARRAZINE 22 - Zumbis, Furry e muito mais

2011-06-20T10:17:00.000-07:00

Voltamos com a edição #22 repleta de matérias e novos colaboradores!

Desta vez, entrevistamos o André Dahmer (na verdade, o mini-dahmer) e ainda conversamos com o Leo, autor de uma das bedês mais aclamadas na Europa (Aldébaran), e falamos sobre ditadura, quadrinhos, política e etc…

Conheça um pouquinho do Estúdio Vejo em Cores de Bianca e Adam num bate-papo bem pessoal e delicie-se com a HQ Furry dos nossos novos companheiros Guilherme de Sousa e Thaís Leal!

Temos ainda a volta de Nano Falcão com matérias bombásticas, a coluna do Filipêra (Nerds Somos Nozes), um conto com a personagem Garen de Rita Maria Félix da Silva, terceiro e quarto capítulos da HQ Cidade Nua de Snuckbinks e Rafael Camargo (Que ainda assina Aulas de Roteiro), música com Red Baron e Fernando Schittini e contos escritos pelo sempre sagaz Hiro.

E nossa amiga Paloma Diniz trouxe uma superentrevista com o desenhista David Lloyd, além de duas matérias sobre os quadrinhos nacionais!

Bom, já falamos demais, não é?

Então baixe ou leia on-line mesmo nos links abaixo:

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Lançamento: 20.06.2011 – 86 páginas

The Golliwogs

2011-06-04T08:40:00.000-07:00

Aqui está o embrião de uma excelente banda, formada a princípio por John Fogerty (Vocal e Guitarra), Tom Fogerty (Guitarra), Stuart Cook (Baixo) e Douglas Clifford (Bateria), eram conhecidos como Blue Velvets, ainda em 1959.

Passaram a usar o nome de The Golliwogs em 1966, ao conseguirem um contrato com uma gravadora, onde gravaram dois singles. Foram bem aceitos e já no ano seguinte passaram a usar o nome de Creedance Clearwater Revival, deixando de fazer apenas covers e passando a investir em composições próprias!

Tell me

You Can't Be True

Fragile Child

The Golliwogs - Dont tell me lies

Publicação on-line: Con Alma de Blues

2011-06-02T08:47:00.001-07:00

Publicação muito boa, achei no ótimo: Alma de Blues

Clique nas capas para baixar

Jazz

2011-06-02T04:38:00.000-07:00

Resolvi agora me aventurar pelo Jazz, confesso que sempre o admirei, no entanto por alguma razão sempre tive um certo receio quanto a ouvir ( Não sei porque). Mas agora acredito que eu estou preparado para saborear esse som! Por isso fiz uma busca em um dos melhores blogs sobre música que eu conheço, o parceiro sempre citado aqui, Pintando Música, e achei esse texto que retransmito aqui na íntegra:

"O jazz é, sem dúvida, a música mais livre do planeta. Nela é permitido ao músico esquecer as regras e os dogmas criados pelo mundo e ao ouvinte entregar-se ao feitiço e pureza do seu ritmo. Quando surgiu, no final do século XIX e início do século XX, no sul dos Estados Unidos, principalmente na cidade de Nova Orleans, o jazz foi considerado profano. No início do ano de 1800, os escravos se reuniam na Praça do Congo para tocar suas músicas e mostrar suas danças tradicionais. Os negros norte-americanos foram os porta-vozes do jazz. Cantado ou tocado eles fizeram do jazz a sua identidade, que é respeitada e admirada até hoje em todo o mundo.

Buddy Bolden, considerado o primeiro músico de jazz, nasceu em 1877 e as primeiras bandas de jazz surgiram por volta de 1885. De acordo com o ‘All Music Guide’, Bolden formou sua primeira banda em 1895. E infelizmente, as músicas dessa época inicial nunca foram gravadas. A fusão entre a música vinda da África, por meio dos escravos que trabalhavam nas plantações de fumo e algodão, e os ritmos europeus como polca, música erudita e a marcha deu origem ao ragtime que teve como principais expoentes os pianistas Tom Turpin, James Scott e, principalmente, Scott Joplin, autor do clássico ‘The Entertainer’. Mas o ragtime, diferente do jazz, não era uma forma improvisada de música. Um novo estilo de tocar piano, desenvolvido perto do fim do século 19, começou a deixar seu marco no jazz também. Um tocador de piano mantinha a batida com sua mão esquerda enquanto tocava uma melodia com a direita. No alto da sua popularidade no início do século XX, o ragtime realizou incursões com os músicos de jazz que começaram a incorporar e enfeitar a técnica com seu próprio estilo. Pode-se dizer que o ragtime foi o embrião do jazz.

Muitos viam o jazz como promíscuo e relacionado à classe baixa, devido às ligações raciais, mas nem todos se opunham a ele e músicos brancos começaram a procurar músicos negros. Oficialmente, a primeira gravação de jazz aconteceu em 1917, com a original ‘Dixieland Jazz Band’, um conjunto formado por músicos brancos de Chicago. Mas foi a partir do pianista Jelly Roll Morton e da cantora Bessie Smith que o jazz começou sua verdadeira viagem. O primeiro grande expoente do jazz foi Louis Armstrong, que era trompetista da banda ‘Creole Jazz Band’, liderada por Joe King Oliver. Entre 1925 e 1928, após deixar Oliver, Armstrong entrou definitivamente para a história e é considerado o primeiro grande solista do jazz. Duke Ellington é considerado o Mozart do jazz. Seus arranjos sofisticados e sua orquestra de virtuosos foram as novidades, no meio dos anos 30, que regeram a era do swing. No meio dos anos 40, uma revolução acontece no jazz, nasce o bebop, estilo que tem como característica principal a vocalização do instrumento. Seus precursores foram o saxofonista Charlie ‘Bird’ Parker , o trompetista Dizzy Gillespie e o pianista Thelonius Monk. Nessa época, as cantoras ajudaram a reerguer as big-bands, que estavam em franco declínio. Quanto tudo parecia calmo, um trompetista discreto apareceu, era Miles Davis. Junto a outro gênio, o saxofonista John Coltrane, Davis cria o que ficou rotulado de cool jazz, algo mais tranqüilo e requintado que o bebop.

No início do anos 60 o free jazz aparece liderado por Ornette Coleman. O estilo gera amor e ódio. As músicas tinham arranjos e escalas completamente insanos. No início dos anos 70, Miles Davis volta à cena e começa um casamento com o rock, criando o jazz fusion. No início dos anos 80, um movimento denominado ‘young lions’ liderado pelo trompetista Wynton Marsalis trouxe uma nova vida ao jazz. No fim dos anos 80 uma nova influência é somada ao jazz. Mais uma vez cabe a Miles Davis ser o precursor. Com o lançamento do disco póstumo ‘Doo-bop’, o trompetista criou o que mais tarde foi chamado de acid jazz. Assim como aconteceu ao logo do século XX, o jazz continuou sua mutação no início deste século. Uma nova geração tem adicionado elementos do rap, rock, erudito e música eletrônica ao jazz. Correndo por fora de todo esse movimento está o smooth jazz, que é um fusion mais acessível. Para os puristas, esse tipo de jazz é um desrespeito à música secular. Apesar de ter nascido nos Estados Unidos, o jazz está presente no velho continente. Não apenas por causa dos grandes festivais que acontecem anualmente por lá, como o Montreux (Suíça), o North Sea (Holanda) e o Umbria (Itália), mas também por músicos formidáveis que escreveram ou escrevem seus nomes na história do jazz. (por emerson lopes)"

Post de Retomada do BLOG - FARRAZINE 21

2011-06-01T06:55:00.000-07:00

A novidade é que acaba de sair a edição 21 do Farrazine repleta de personalidades do universo das HQ's!

Como a internet faz o mundo ficar pequeno fomos a Austrália perguntar umas coisinhas ao Ben Templesmith, de 30 dias de noite e WormWood... Logo no melhor estilo a volta ao mundo em alguns emails, trocamos idéias com o Alberto Montt do Chile, autor das Dosis Diarias.

Não cansados da viagem decidimos perambular com nossas perguntas em território tupiniquim também. Estivemos em Minas Gerais e tivemos uma conversa super agradável com a menina mais simpática dos quadrinhos nacionais (Além de uma excelente e sensível desenhista!), Luciana Caffagi, autora da tirinha Los Pantozelos. Logo, não podiamos esquecer de passar em Sampa e falar com o cartunista Rock'n'Roll e sangue "bão", Márcio Baraldi!

Há bastante convidados?

Não!

Ainda trouxemos o "irmão gêmeo" da nossa querida Paloma Diniz, o desenhista Jack Herbert, em um bate-papo entre família. E não resistindo ao talento de Geraldo Borges, fizemos uma matéria com um dos figurões de nosso boom nacional de desenhistas no mercado americano.

E como presente especial a nossos colaboradores podcasters, trocamos altos papos com a galera gente boa do Arg!Cast e uma matéria cheia de sinceridade! Falamos até mal do Batman nela... Mas calma, calma foi com carinho...

Também com exclusividade temos a HQ Cidade Nua, com roteiro de Rafael Camargo e arte de Snuckbinks e uma fanart do Justiceiro escrita por Brenno Dias e desenhada por Vinicius Cruz

E ainda há mais contos, resenhas, a coluna Riteando de Rita Maria Félix da Silva, tirinhas, nosso Ombudsman, Bráulio Taumaturgo, criticando tudo e todos e muito, muito mais!

Baixe agora mesmo a edição clicando abaixo:

FARRAZINE #21

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FARRAZINE 20

2011-02-28T09:09:00.000-08:00

Conheça as aventuras de Adriel Paz - O Apanhador de Estrelas - nas HQs "Esperança (quase) Perdida” e "O Negociador". Personagem criado por Nasci e trazido até os leitores do FARRAZINE através dos roteiros de Eloyr Pacheco e arte de Carlos Nascimento.Confira também: a passagem de Killofer por João Pessoa; entrevistas com Von DEWS!, do site Vertigem e com Nívia Alves e Ana Karla Albuquerque, do Rascunho Studio.E mais: Bando de Dois, Comic Code Authority, Steampunk, Hipster, ABAS, contos, resenhas, tiras, dicas de HQ's nacionais e o retorno de nosso ex-ombudsman.Lançamento 20.02.11 – 50 páginas

Links:
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Termos comuns no Blues

2011-01-29T11:18:00.000-08:00

Achei esse guia interessantíssimo que traz alguns dos termos usados no blues, em suas canções e no dia a dia. Está no site do Alexandre Amaral.

Panama Limited - Trem luxuoso que atuava na primeira metade do século passado na 'Illinois Central's, fazendo o trajeto de New Orleans até Chicago.

Parchman Farm - Famosa prisão do Mississippi
Este termo pode ser encontrado em:
Johnny Winter - Parchman Farm.

Pay no rabbit - Ignorar.

Peepers - Olhos.

Pick up - Compreneder.

Piedmont Blues - Blues da costa leste e dos Montes Apalaches.

Pitch a boogie woogie - Ficar excitado, emocionar-se.

Play - Coisa para fazer, programa de ação, ordem do dia.

Play hip - Fingir que entendeu.

Poke - Carteira, Bolsa.

Policy game - Loteria diária.
Esse termo pode ser encontrado em:
Jimmy Reed - I Ain't Got You (1).

Prayerbones - Joelhos.

Pull a creep - Deixar.

Put down - Fazer, ser ativo de algum modo.

Queen - Mulher.

Quit it - Dixar.

Raise sand - Diverti-se, criar confusão.

Rambling - 1- Vagar 2- Conversar superficialmente.
Esse termo pode ser encontrado em:
Jimmy Rogers - Blues (Follow Me All Day Long);
Blind Boy Fuller - Weepin' Willow Blues;
Blind Willie McTell - B & O Blues #2;
George Thorogood - What A Price;
Leadbelly - Good Night Irene;
Louis Jordan - I Know What You're Puttin' Down;
Memhis Minnie - Nothing In Rambling;
Omar & The Howlers - Midnight Ramblin' Man;
Robert Johnson - From Four Till Late, Hellhound On My Trail, I am A Steady Rollin' Man, Milkcows Calf Blues(1)&(2), Rambling On My Mind (Take 1) & (Take 2);
Skip James - Devil Got My Woman;
Sonny Boy Williamson II (Rice Miller) - Santa Claus.

Rap - Sentença criminal.

Rider/Riding - Namorada, parceira sexual.
Esse termo pode ser encontrado em:
Arthur "Big Boy" Crudup - Mean Old Frisco;
Big Bill Broonzy - C C Rider (1) & (2);
Blind Lemon Jefferson - Prison Cell Blues;
Rory Gallagher - Pistol Slapper Blues;
Blind Willie McTell - Come On Around To My House Mama e Kind Mama;
Charley Patton; Banty Rooster Blues, Down The Dirt Road Blues(1), Moon Goin' Down, Pea Vine Blues, Pony Blues e Stoney Pony Blues;
Hot Tuna - I Know You Rider;
Little Walter - Mean Old Frisco;
Mance Lipscomb - See See Rider;
Mississippi John Hurt - See See Rider e Spike Driver Blues;
Robert Johnson - Hellhound On My Trail e Traveling Riverside Blues, Stones In My Passway;
Tommy Johnson - Big Fat Mama Blues.

Riding the blinds - 1- Passear em carro com capota de lona. 2- Andar de trem entre as cargas ou pacotes de correio. 3- Viagem ilegal em trem.
Esse termo pode ser encontrado em:
Memphis Minnie - Chickasaw Train Blues;
Robert Johnson - Walkin' Blues;
Tampa Red - Seminole Blues;
Tommy Johnson - Cool Drink Of Water Blues (1) & (2).

Rhyming - Jogo com palavras.

Riff - Frase musical, passgem musical, estribilho.

Righteous - Bom, apertado, satisfeito.

Roadhouse - Estabelecimento comercial fora dos limites das cidades onde é servido comida, bebida, dança e geralmente também oferece jogo.
Esse termo pode ser encontrado em:
The Jeff Healey Band - When The Night Comes Falling Down;
A.C. Reed - Roadhouse Blues.

Rock - Dollar.

Roll - 1- Originalmente era um termo que significava trabalhar, principalmente em relação ao trabalho rural ("rolling cotton"), mas com o tempo adquiriu a conotação de relação sexual.
2- Delator, dedo-duro.
Esse termo pode ser encontrado em:
Son House - Preachin' Blues;
Sonny Boy Williamson I (John Lee) - Skinny Woman;
A.C. Reed - Roadhouse Blues.

Roost - Casa.

Rooster - Nádegas.

Rounder - Canalha, brigão, trapaceiro.
Esse termo pode ser encontrado em:
Blind Willie McTell - Delia;
Bukka White - Bukka's Jitterbug Swing;
Omar & The Howlers - Sugar Ditch.

Rubber - Automovel.

Rumble - Lutar.

Run your mouth - Falar muito.

Salty (dog) - Parceiro sexual.
Esse termo pode ser encontrado em:
Rev. Gary Davis - Candy Man;
Hot Tuna - Candyman;
Mississippi John Hurt - Salty Dog(*);
T-Bone Walker - Papa Ain't Salty No More.
(*)Quando Mississippi John Hurt foi perguntado sobre o significado de 'Salty Dog', ele timidamente respondeu que nunca pensou nisso.

Sawbuck - Nota de 10 dollar.

Scat - Cantar besteiras.

School - Ensinar.

Scoff back - Comer muito.

Scuffle up - Reunir-se.

Scumpteen - Muito de.

Shakin' that thing - Popularizado por Papa Charlie Jackson's em 1925, significa engajamento no sexo.
Esse termo pode ser encontrado em:
Blind Boy Fuller - I Crave My Pigmeat;
Mississippi John Hurt - Got The Blues, Can't Be Satisfied.

Shake up - Whiskey e vinho.

Sharecropping - Sistema de parceria agrícola, meeiro.

Sharp - Bem vestido.

Shimmy - Dança do final dos anos 1880.
Esse termo pode ser encontrado em:
Bessie Smith - Gimme A Pigfoot And A Bottle Of Beer e 'T Ain't Nobody's Bizness If I Do;
Blind Willie McTell - Kind Mama e Talkin' To Myself;
John Lee Hooker - Want Ad Blues;
Omar & The Howlers - Booger Boy;
Stevie Ray Vaughan - The House Is Rockin';
Willie Dixon - Flamin' Mamie.

Shroud tailor - Coveiro.

Slide - Técnica de tocar guitarra e violão.

Signify - Dica, conselho.

Signifying - Oradores que rebatem de forma rítmica e rimando frases em contraponto improvisado para as o significado das frases de outros oradores.
Esse termo pode ser encontrado em:
Buddy Guy - Mustang Sally;
B.B. King - Walking Dr. Bill;
Sonny Boy Williamson - Don Start Me To Talkin'.

Skin beater - Baterista.

Spoonful - 1- Cocaina. 2- Heroína. 3- Fazer sexo carinhosamente.
Esse termo pode ser encontrado em:
Charley Patton - Spoonful Blues;
Howlin' Wolf - Spoonful;
Mance Lipscomb - 'Bout A Spoonful;
Mississippi John Hurt - Coffee Blues;

Squeeze my lemon - 'Lemon' se refere a genitália, e squeeze my lemon é fazer sexo. Esse termo pode ser encontrado em:
Memphis Minnie - Dirty Mother For You;
Robert Johnson - Traveling Riverside Blues;
Sonny Boy Williamson I (John Lee) - Until My Love Come Down.

Stag O'Lee/Stagolee/Stagger Lee/etc. - Homem negro super esperto.
Esse termo pode ser encontrado em:
Mississippi John Hurt - Stack O'Lee Blues.

Stavin' chain - 1- Ferramenta usada na confecção de barris. 2- Controle de ejaculação precoçe. 3- Romper o Hímen.
Mudar as regras.
Esse termo pode ser encontrado em:
Lil Johnson - Stavin' Chain;
Jelly Roll Morton - Whinin' Boy.

Stingaree - Alteração da palavra 'stingray', que é um tipo de peixe com ferrão no dorso. No blues é usado num eufenismo dos orgãos sexuais.
Esse termo pode ser encontrado em:
Bessie Smith - It Makes My Love Come Down;
Blind Boy Fuller - Stingy Mama;
Blind Joe (or Willie) Reynolds - Third Street Woman Blues;
Charlie Musselwhite - Stingaree.

(The) Stroll - Qualquer rua principal.

Struggle buggy - Calhambeque, carro antigo.

Stuff - Mentira.

Strut/Strut your stuff - Andar, dançar com garbo, orgulho.
Esse termo pode ser encontrado em:
Blind Willie McTell - Kind Mama;
Lucille Bogan - B.D. Woman's Blues;
John Lee Hooker - Boom Boom;
Gary Moore - Texas Strut;
Bessie Smith - Aggravatin' Papa, At The Christmas Ball, Cake Walking Babies From Home e Gimme A Pig Foot And A Bottle Of Beer, I'm Going Back To My Used To Be e Sam Jones Blues;
Taj Mahal - Queen Bee.

Tailgate - Estilo de New Orleans paratocar o trombone.

Take some weight off - Animar-se.

Tall - Intoxicado.

Tenth Street - 10 dollars.

Tighten - Vender, fazer negócio.

Tighten somebody's wig: - Deixar alguém fumar maconha.

Tog - Vestir-se com elegância.

Tonsil juice - Saliva.

Trey of knockers - Casa de penhores.

Trickeration - Iludir.

Trilly - Andar tranquilo, despreocupado.

Troubled with the shorts - Sem dinheiro.

Tubs - Bateria.

Turf - Rua.

Twinklers - Estrelas.

Twister - Chave, tom.

Two's and fews - Trocado(dinheiro).

John Cephas & Phil Wiggins

2010-12-29T09:34:00.000-08:00

O cantor e guitarrista John Cephas, que morreu em 2009 aos 78 anos, surgiu na cena do blues na década de 70. E naquele tempo muitos músicos afro-americanos de sua geração estavam desinteressados do blues, em especial o blues acústico, o blues tradicional à moda antiga, conhecido como blues ‘piedmont’, uma forma extremamente popular por muitas décadas, na primeira metade do século XX. Sua parceria de 32 anos com o jovem gaitista Phil Wiggins remontava aos tempos passados de Brownie McGhee e Sonny Terry, que fizeram sucesso internacional na década de 50 e 60. Enraizada na música rural da Virgínia e Carolina do Norte, e baseando-se em um modelo criado por seus antepassados musicais como Blind Boy Fuller, Rev. Gary Davis, Blind Willie McTell, Blind Blake, Sonny Terry e Tampa Red, a dupla manteve viva a chama do blues ‘piedmont’ nos tempos atuais. Mas, apesar da semelhança com esses artistas, ‘Cephas & Wiggins’ não eram clones. E a dupla de forma constante lançou uma série de álbuns ao longo de três décadas embalados por um vasto repertório de canções antigas, abrangendo a história do folk-blues. Com um barítono suave moldado por anos em grupos de gospel e com um ritmo cadenciado e complexo dedilhar que alguns estudiosos rastrearam suas origens nas bandas de country dance da era colonial, acompanhado por solos apaixonados de gaita, a música de Cefas & Wiggins é uma viagem maravilhosa e essencial pelo blues. John Cephas e Phil Wiggins são gigantes.

Em 1930, John Cephas nasceu em Washington DC, e cresceu em Bowling Green, Virginia, em uma família profundamente religiosa. Começou a tocar guitarra dada a ele por seu pai, um ministro da igreja. Embora a sua primeira exposição à música tenha sido na igreja pela música gospel, bem mais tarde uma tia lhe ensinou o blues. Aos nove anos aprendeu o estilo ‘piedmont’ dedilhando a guitarra do primo David Talliaferro com quem cantou e tocou em um quarteto de gospel que se apresentava em festas. Quando adulto, a música tornou-se secundária ao seu trabalho como carpinteiro na Guarda Nacional, em Washington. Em 1970, resolveu tocar em público com o grupo ‘Barrelhouse Rockers’ que formou com o pianista ‘Big Chief’ Ellis e o baixista James Bellamy. E o repertório musical incluía ragtime e canções de artistas como Blind Boy Fuller, Blind Blake, Tampa Red e Blind Lemon Jefferson.

Uma geração mais jovem do que seu parceiro de longa data, Phil Wiggins também nasceu em Washington, DC, em 1954, e passava os verões de sua infância na casa de sua avó, no Alabama, onde ouvia a música gospel. Ele começou a tocar a gaita em tenra idade, e aprendeu o blues com alguns dos melhores artistas incluindo a notável guitarrista gospel Flora Molton. Ele também foi aprendiz de ‘Mother Scott’, contemporânea de Bessie Smith. Influenciado pelos grandes gaitistas de blues como Sonny Terry, Sonny Boy Williamson e Little Walter, Phil Wiggins desenvolveu um estilo único como gaitista. E dominou uma vasta gama de estilos e enquanto raramente é mencionado pelos aficionados da gaita, que tendem a concentrar-se na escola de Little Walter, ele é considerado um dos atuais virtuosos do instrumento além de talentoso cantor e compositor.

Após a morte do pianista ‘Big Chief’ Ellis em 1977, John Cephas associou-se a Phil Wiggins que conheceu em uma ‘jam session’ de um festival de música folclórica. Na década de 1980 ele se aposentou como carpinteiro e se dedicou à música em tempo integral apresentando-se com Phil em festivais patrocinado por ‘Smithsonian Institution’ e ‘National Council for the Traditional Arts’. Cephas & Wiggins passaram grande parte da década de 80 a excursionar pelo exterior, muitas vezes sob o patrocínio direto do Departamento de Estado dos EUA. Visitaram a Grã-Bretanha em 1981 e se apresentaram no ‘American Folk Blues Festival’, em 1988, eles estavam entre os primeiros americanos a se apresentar no Festival Russo de Folk em Moscou. E também participaram de programas educacionais e se apresentaram em prisões e centros de reabilitação.

John Cephas foi um dos fundadores do ‘DC Blues Society’ em 1987. E enquanto na Europa, gravaram seus dois primeiros álbuns, incluindo o aclamado álbum de 1984 ‘Sweet Bitter Blues’ para o rótulo alemão ‘L&R’. E em 1986, gravaram ‘Dog Days Of August’ o primeiro álbum nos EUA, para a gravadora de Chicago, ‘Flying Fish Records’. Álbum que foi premiado pela ‘W.C. Handy Award’, organização sem fins lucrativos criada para preservar, celebrar e apoiar o blues. A dupla também ganhou outro prêmio em 1987 com o álbum ‘Guitar Man’. Depois de deixar a ‘Flying Fish Records’ lançaram vários álbuns aclamados pela crítica recebendo inúmeros prêmios e indicações por várias etiquetas antes de assinar contrato com a ‘Alligator Records’. E rapidamente se tornaram favoritos no circuito de festivais de folk e blues. A popularidade da dupla é mundial, e sua influência pode ser ouvida na música de jovens bluseiros acústicos, como Corey Harris, Alvin Youngblood Hart, Guy Davis, Chris Thomas King e outros. John Cephas faleceu em 2009 de causas naturais na idade de 78 anos, encerrando uma parceria criativa com Phil Wiggins que durou mais de três décadas. ‘Richmond Blues’, último álbum a dupla, foi lançado em 2008 pela ‘Folkways Smithsonian’, gravadora sem fins lucrativos do ‘Smithsonian Institution'.

Copiado na cara dura do ótimo blog: Pintando Música

Saiu o Novo FARRAZINE

2010-12-20T11:13:00.000-08:00

Fechando o ano de 2010 destacando os artistas nacionais. Veja a prévia da HQ Natal – Terra de Ninguém, com roteiro de Miguel Rude e arte de Wendell Cavalcanti. Entrevistamos o renomado e premiado cartunista Jean Galvão e estivemos na Rio Comicon, trazendo uma cobertura diferenciada. Diretamente do site Papo de Gordo, conheça o personagem MorsaMan, com roteiros de Lucio Luiz e arte de Flávio Soares. Confira os últimos lançamentos da PADA para aumentar sua coleção de HQ’s. Temos ainda Clube da Luta, Janis Joplin, King’s Quest, contos e muito mais...

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FARRAZINE NO ORKUT

FARRAZINE NO ISSUU

Josh Ritter

2010-12-10T14:14:00.000-08:00

Guitarrista, Cantor e Compositor, com belas músicas. Algumas com uma pegada mais folk, outras com aquele estilo mais country, tudo isso porque um dia ele ouviu "Girl for North Country" num dueto de Johnny Cash e Bob Dylan.

Desde esse dia, ele começou a tocar violão e compor e assim aos 21 anos lançava seu primeiro álbum, gravado no estúdio da escola em que estudava. Após isso foi estudar música folk na Escócia, por 6 meses, aos retornar começou a tocar em bares, trabalhando em empregos temporários e vendendo seu álbum nas apresentações, até que foi descoberto por Glen Hansard e a sua banda, The Frames, assim partiu com eles para uma turnê pela Irlanda. Lá arrebentou com a venda de seu álbum, o que garantiu a ele uma grana boa, permitindo assim que, após seu retorno aos EUA, pudesse se dedicar apenas à música.

Preparou então um segundo álbum "Golden Age of Radio", esse já produzido e gravado em 3 estúdios diferentes, o que permitiu com que ele remasterizasse seu primeiro álbum “American History Through Narrative Folk Music”, seguindo ainda do 3º "Hello Starling"

Seu estilo segue a tradição da música popular e baladas. Ele é influenciado pelas letras de Bob Dylan, Bruce Springsteen, e Leonard Cohen, e as obras de Mark Twain.

Seus álbum são vendidos em seu site. São lançados como EP e ainda estão disponíveis em seus shows ou e em lojas selecionadas de música independente (embora agora você pode comprá-lo na Amazon).

Ouça algumas das canções:

"Girl In The War"

"bandidos"

Josh Ritter: Bandits - Club Passim 12.11.2007 cambridge

Curtam a arte da capa do último álbum! So Runs The World Away.

Nesse álbum podemos ver como Josh tem uma diversidade enorme, pois vai do sério e mau humorado e logo em seguida descontrído e alegre, com músicas que falam sobre vida e morte, é como se ele estivesse tecendo uma história à sua canção e fazendo isso ao redor de uma fogueira.

Movendo rapidamente através da abertura de um minuto de Cortinas, começa com uma guitarra acústica e uma simples melodia vocal. aqui conta:
"Eu tive um sonho ontem à noite.
Sonhei que estava nadando.
E as estrelas lá em cima, sem rumo e à deriva
Eu tive um sonho ontem à noite.
E quando eu abri meus olhos.
Seu ombro, sua coluna foram linhas ao luar."

Já, em The Curse, a canções fácilmente se perde dentro um lamento de cinco minutos quebrado por um curto instrumental:

"Há muito tempo a bordo do navio,
ela perguntou por que as pirâmides.
Ele disse: "Pense neles como um imenso convite."
Ela pergunta:
"Você está amaldiçoado?".
Ele diz:
"Eu acho que estou curado"..
Então ele a beijou esperando que ela esquecesse a pergunta.

Southern Pacifica continua o tema marítimo:
"Eu tive um sonho que eu estava morrendo.
Mas não era um pesadelo,
eu estava realmente calmo, como eu caí.
E se eu estava caindo para o céu,
o céu deve estar mais quente do que a bíblia diz.
Acordei, eu estava vivendo"

Folk Bloodbath é provavelmente, a melhor música do álbum:
"Eu estou certo, sim,
estou certo que sim.
Estou certo de que a paz virá para mim.
Uma paz que pode sim,
superar a velocidade do sim,
da minha compreensão e minha necessidade."

Assim, Josh Ritter corre o mundo, por quase uma hora, nos levando junto, é uma belíssima maneira de contar histórias, um conto brilhantemente contado.

Alguns trechos extraídos de UnderWurld Music.

Iron & Wine

2010-11-22T16:56:00.000-08:00

Conheci esse trabalho por mera obra do acaso, eu tinha adicionado um link aos favoritos em meu computador, e por algum motivo fiquei muito tempo sem visitá-lo. Quando voltei, para fazer uma limpeza, e eliminar alguns dos links, me deparei com a postagem de um álgum do Iron e Wine. Pra ser bem sincero nunca havia ouvido falar, como nesse período já me aventurava em busca de novos sons para degustar, resolvi dar uma conferida sem compromisso, e não é que ali esta aquele folk melancólico, praticamente um lamento.

Se você gosta de sofrer um pouco ao som de uma canção melancólica, deixo aqui a indicação do som do barbudão ae acima, trata-se de Sam Beam, um cara da Carolina do Sul, que tem como influências Simon & Garfunkel, Neil Young, Nick Drake, Elliot Smith e John Fahey.

Este é o primeiro álbum do Iron & Wine (2002), nome do projeto solo de Seam Beam. O som é um folk lo-fi bem agradável, sendo o CD constituído basicamente por voz, violão e banjo. O álbum é bem calmo e propício pra relaxar e escutar em horas avançadas da noite.

O Álbum Sheperd´s Dogs (2007) tem uma pegada bem diferente dos anteriores, pois podemos ouvi-lo acompanhado da banda completa:

Chad Taylor (Chicago Underground/ Sea&Cake) na bateria, Benny(Massarella) na percusão, Matt Lux (Isotope 217) no baixo, Leroy Bach (da primeira formação do Wilco) nos teclados e guitarra. Paul Niehaus toca pedal steel, Patty (McKinney) na guitarra e Sarah Beam, que é irmã do Sam, e o acompanha há um certo tempo.

Já no novo Kiss Each Other Clean, com previsão de lançamento para Janeiro de 2011, o primeiro álbum lançado em uma grande gravadora, as raízes folks despojadas darão lugar a uma enorme mescla cultural no disco que terá do jazz e do blues até sintetizadores e elementos percussivos africanos em sua composição. Seria o reflexo que quem ouvia música no carro do pai, e agora cresceu, por isso terá presente muito do que tocou nas rádios americanas dos anos 70.

Naked As We Came

Ela diz, "acorde, não adianta fingir"

Eu permanecerei assim e respirando-a

Os pássaros estão indo com o fim do outono

Um de nós morrerá nesses braços.

Olhos bem abertos, nus como nascemos

Um de nós espalhará nossas cinzas pelo quintal

Ela diz, "se eu for antes de você, querido

não me desperdice no chão"

Eu deito sorrindo como nossas crianças dormindo

Um de nós morrerá nesses braços.

Olhos bem abertos, nus como nascemos

Um de nós espalhará nossas cinzas pelo quintal

Big Mama Thornton

2010-11-02T04:40:00.000-07:00

Willie Mae 'Big Mama' Thornton era uma descendente direta das cantoras de blues clássico como Ma Rainey, Bessie Smith, e especialmente Memphis Minnie. Seu nome é um legado e irá permanecer para sempre entre as lendas do blues e por ter influenciado gerações de cantores do blues e do rock como Elvis Presley e Janis Joplin. Nasceu no Alabama, sua introdução à música, como acontece com muitas outras lendas do blues, começou na Igreja Batista, seu pai era um ministro e sua mãe era uma cantora. ‘Big Mama’ e seus seis irmãos começaram a cantar em uma idade muito precoce. Quando tinha apenas catorze anos abandonou o Alabama após a morte de sua mãe. Em 1948, começou sua carreira em Houston, Texas. No início dos anos 60 deixou Houston e transferiu-se para San Francisco, cantando nos clubes locais de blues.

Mas seu estilo rude acabou arrastando-a para o blues elétrico de Chicago, onde foi "adotada" por Muddy Waters. Participou de dezenas de festivais ao lado dos grandes nomes do gênero, principalmente nos anos 60. Willie Mae Thornton morreu em Los Angeles em 1984, do coração e complicações no fígado, provavelmente provocadas por anos de alcoolismo. Na canção 'My love', 'Big Mama' é acompanhada pela banda inovadora de Muddy Waters composta por guitarra amplificada, harmônica, piano e bateria. Ao contrário de tornar a música simplesmente mais alta, o uso de amplificadores a tornou mais intensa.

Big Mama Thornton, John Lee Hooker, Shakey Horton & Dr Ross playing the harmonica

Big Mama Thornton - Rock me
(Oregon 1971)

Postagem original no Pintando Música

Jashua James

2010-09-18T07:03:00.000-07:00

Há um certo tempo tenho acompanhado séries de TV, e além da diversão óbvia, elas muitas vezes me apresentam bandas ou cantores desconhecidos aqui no Brasil, pelo menos da grande maioria, foi o caso de Jashua James, sua canção No Milk Today esteve no primeiro episódio da terceira temporada de Son of Anarchy, e agora olhando o site pessoal dele descobri que le também se apresentou na noite de premiere, em 7 de setembro. Consegui apenas o vídeo da canção, sem clipe, segue abaixo:

Joshua James & The Forest Rangers - No Milk Today

"Acho conforto e beleza na escuridão e depressão", admite Joshua, que cresceu em Lincoln, Nebraska, influênciado por Neil Young, Bob Dylan ,Jim Morrison e The Doors, Led Zeppelin e Pink Floyd, ele acrescenta "Há contrastes de tudo. Você tem que combinar o doce eo salgado, o feio eo bonito. A música é muito terapêutico para mim. É tudo sobre como fazer uma conexão com a humanidade, com a platéia, de modo que eu normalmente não seria capaz."

Sua estréia foi o Folk Album 1 no iTunes, e "Rádio FM", uma canção sobre um amigo de infância de tendo de lidar com a morte do pai, teve mais de 150.000 downloads. Além de performances no Festival de Sundance, no SXSW e CMJ, James excursionou com John Mayer, David Gray e Ani DiFranco, conquistando legiões de fãs ao longo do caminho.
"Eu me sinto fortemente sobre as coisas que eu cantar sobre. Quero que as pessoas saibam como me sinto, porque quem se importa como eu me sinto? Se alguém se sente do mesmo modo, porém, que é o que eu estou procurando. Essa é a coisa mais importante. Se você pode se relacionar com o que estou passando, então eu consegui o meu objetivo."

No palco, é onde a música de Joshua James 'ganha vida e revela sua verdadeira intenção, que é de atrair as pessoas para seu universo insular, uma sensação mística de que só os verdadeiramente grandes podem se comunicar. "Talvez a escuridão sai um pouco mais frequentemente do que eu gostaria, mas que é exatamente como me sinto quando estou escrevendo. Eu não costumo tentar resolver questões específicas, que normalmente é o que eu estou sentindo no momento. As coisas começam a sair, em seguida, eles formam uma história e uma razão, e é assim que as coisas evoluem. Eu sou influenciado por tudo ... pela vida, pelo amor, pelo ódio, pela música. "

MySpace :: site

Joshua James "Green Grass" (Tom Waits Cover)

Tears In Heaven

2010-09-14T19:16:00.000-07:00

Pessoal desculpem o "sumisso". É que mudei de emprego, agora além de não ter a facilidade ao acesso a Internet, também levanto mais cedo e chego mais tarde em casa. Por isso a dificuldade em pesquisar material e postar aqui no blog.

Fica então uma das músicas que acho perfeita! Tears In Heaven está no álbum Unplugged do Eric Clapton, ele a compôs após a morte de seu filho Connor.

1999 live at Madison Square Garden, NewYork city

Embora essa música tenha elevado a carreira de Clapton a outro nível, ele escrevceu em sua biografia que ela foi a música maus lhe custou mais caro, se alguém quiser saber quanto, é só ir visitar a capela em Ripley, povoado onde Clapton nasceu, e procurar pelo túmulo de Connor.

Você saberia meu nome
Se eu o visse no paraíso?
Seria o mesmo
Se eu o visse no paraíso?

Eu devo ser forte e seguir em frente
Porque eu sei
Que não pertenço
Aqui ao paraíso.

Você seguraria minha mão
Se eu o visse no paraíso?
Você me ajudaria a ficar em pé
Se eu o visse no paraíso?
Encontrarei meu caminho
Pela noite e pelo dia,
Porque eu sei
Que não posso ficar
Aqui ao paraíso.

O tempo pode te derrubar,
O tempo pode te fazer ajoelhar.
O tempo pode quebrar seu coração,
você implora por favor
implora por favor.

Além da porta
Existe paz, tenho certeza,
E eu sei
Que não haverá mais
Lágrimas no paraíso.

Você saberia meu nome se eu o visse no paraíso?
Você seria o mesmo se eu o visse no paraíso?
Eu devo ser forte e seguir em frente,
Porque eu sei que não pertenço aqui ao paraíso
Porque eu sei que não pertenço aqui ao paraíso

Classic Rock and Blues Station Radio

2010-09-02T13:07:00.000-07:00

Para quem como eu, tem a rádio como uma paixão, a Internet abriu caminhos sem precedentes e nunca antes sonhados. A "Route 66 - Classic Rock Radio" pretende evocar, lembrar e eternizar os tempos gloriosos de uma geração que fez história, e nada como o rádio, para dar asas a imaginação, de uma época que ainda é uma usada como referencia, seja na Criatividade, seja na Arte e principalmente na Música. Mais especificadamente no Rock dos anos 50, 60 e início dos anos 70.

Este espaço na Internet servirá para recordar esses tempos mágicos de um mundo que era mais calmo, mais lento, mas, mesmo assim, com as suas guerras, as suas catástrofes e até as suas desgraças, tinha nas artes a válvula de escape, exercitando a criatividade e devorando a sede do conhecimento.

Embarque conosco nesta viagem. Aqui você encontrará as "Histórias", os "Sons" e as "Imagens do Passado", para muitos uma recordação saudosa, para outros uma descoberta memorável de uma época não muito distante, mas surpreendente e muito diferente. Um mundo melhor de se viver !!!

Pode ser um velho "Rock ´n´Roll" de Chuck Berry ou mesmo blues de Blind Boy Fuller, até uma música da geração "Flower-Power" do quilate de um Greateful Dead com Jerry Garcia ou mesmo um "Folk" de um Bob Dylan e Joan Baez. A programação da "Route 66 - Classic Rock Radio" terá como evidencia a música e a sonoridade dos anos 50, 60 & 70. Não é necessário fechar os olhos para imaginar, ao contrário, abra bem os olhos e os ouvidos.

A história do Rock´n Roll fará o resto !!!

Clique na imagem aí acima para acessar a rádio!

Into the Wild

2010-09-02T11:31:00.000-07:00

Este é um filme fantástico, e ainda por cima possui uma trilha sonora fantástica, composta por Eddie Vedder, em seu primeiro álbum solo, ele fez uma ótima mistura do melhor de Bob Dylan e Neil Young.

O filme conta a história verídica de Christopher McCandless, um jovem recém-formado que se aventura pelos Estados Unidos até chegar ao Alasca.

1. Setting Forth
2. No Ceiling
3. Far Behind
4. Rise
5. Long Nights
6. Tuolumne
7. Hard Sun
8. Society
9. The Wolf
10. End of the Road
11. Guaranteed

Abaixo estão as músicas que consegui encontrar.

Setting Forth

No Ceiling

Rise

Long Nights

Tuolumne

Hard Sun

Society

The Wolf

End of the Road

Guaranteed

Trailer do filme:

Alberta Hunter

2010-09-01T04:31:00.000-07:00

Alberta Hunter é uma das lendas do século 20, e tinha uma vida muito intensa e mostra isso na sua maneira de cantar. Suas gravações de jazz e clássicos do blues são simplesmente incríveis. Ela foi uma cantora pioneira cujo caminho cruzou o jazz, o blues e a música pop. Ela fez contribuições importantes para todos esses gêneros e teve uma carreira que sobreviveu seis décadas. Viajou extensivamente por conta própria a partir de 1925, quando ela comprou uma passagem para a França. Alberta Hunter foi um das primeiras cantoras negras, juntamente com Sippie Wallace, a fazer a transição dos humildes prostíbulos e clubes onde se apresentava para a ribalta internacional. Ela se tornou parte da era do jazz, e deu a Bessie Smith uma de suas composições, ‘Downhearted Blues’. Ela cantou em prostíbulos e cantou para Al Capone e para Eisenhower. Ela viajou o mundo, cantou em Londres e gravou com Louis Armstong e Duke Ellington. Então, ela desapareceu da música e trabalhou como enfermeira durante vinte anos atendendo a pacientes que não tinham idéia de quem ela tinha sido.

Alberta desafia qualquer categorização e sua longevidade como artista popular é igualada por poucos. Com oitenta anos ela encenou um retorno impressionante à música deixando sua marca como cantora de jazz e blues para multidões e com quatro novos álbuns antes de sua morte. Uma mulher incrível. Gravou ‘Amtrak Blues’ com 83 anos. A música ‘My Handy Man’ com Alberta, em comparação com a versão de Ethel Waters em 1920, é pura diversão. Sim, Alberta era uma mulher muito velha quando gravou este álbum e ainda assim desfrutou completamente de si mesma e cantou sobre sexo com dignidade e credibilidade. Este álbum é uma jóia absoluta. Sua voz está até melhor do que em 1920. Uma voz que eu prefiro, áspera e de personalidade mundana que ela adquiriu ao longo dos anos.

Quando ‘The Glory of Alberta Hunter’ foi gravado, Alberta Hunter tinha 87 anos e estava desfrutando de seu renascimento como artista. Grande sobrevivente da década de 20, Alberta estava, de algum modo, persuadida a retornar ao estágio em que se tornou grande estrela da vida noturna de Nova York. Neste álbum, apoiada por grandes músicos, Alberta está claramente se divertindo. Curiosamente ela não era tão interessante quando mais jovem em comparação com pesos pesados da época, mas a idade lhe deu a liberdade do charme que não tinha antes. Basta ouvir como ela termina ‘I've Had Enough’: ‘And if I never see you again brother...good bye, sayonara, au reuvoir, see ya see ya, auwiedersehn, hasta la vista…’. Rindo de si mesma é uma despedida rancorosa de uma amante. Ou em ‘Sometimes I'm Happy', batendo palmas e incentivando os músicos como se eles estivessem na casa dos 80 anos e não o contrário. Impossível não gostar.

"My Castle's Rockin'"

Alberta Hunter "My Castle's Rockin'"

Alberta nasceu em Memphis. Seu pai abandonou a família quando ela nasceu, e sua mãe tornou-se o ganha-pão trabalhando como empregada doméstica em um bordel. E Albeta passou a infância entre uma mãe rigorosa, que lhe ensinou a ser auto-confiante e respeitar a si mesma, e uma avó que viu nela potencial e o desejo louco de viajar. Sua educação musical precoce veio de sua exposição às bandas de blues da Beale Street. Quando W.C. Handy veio a Memphis com seu blues em 1905, Alberta correu para ouvir. Aos dezesseis anos, ela fugiu para Chicago e foi descascar batatas em uma pensão. Cativada pela vida noturna da cidade, começou a se apresentar em bordéis e clubes. Sua estréia profissional foi no clube ‘Dago Frank’, um lugar freqüentado por bandidos. Alberta permaneceu ali por dois anos e só saiu depois que o clube foi fechado. Sua mãe se juntou a ela em Chicago logo depois. As duas desenvolveram a política do ‘não pergunte, não diga’ para que não fosse discutido a sua homossexualidade ou os problemas conjugais de sua mãe. E ela foi cantar em clubes um pouco mais respeitáveis. Em 1915 ela estava cantando no ‘Panama Café’, um clube da moda que servia a clientela branca. Este lugar também foi fechado depois de um assassinato.

Em 1919 era celebridade em Chicago, e começou a prestar mais atenção à sua imagem. Nessa época havia poucos artistas abertamente homossexuais, e cantores de blues e jazz eram obrigados a ostentar a falsa heterossexualidade e Alberta não foi exceção. Casou-se com o garçom Willard Saxby Townsend do clube onde cantava, mas o casamento nunca foi consumado. Dois meses depois Townsend pediu o divórcio que só foi concedido em 1923. E Alberta Hunter já estava morando em Nova York com o grande amor de sua vida, Lottie Tyler, sobrinha do comediante americano Bert Williams. Em 1927, ela e Tyler embarcaram para Paris, onde Josephine Baker já era uma estrela. Foi uma oportunidade para escapar do racismo e preconceito norte-americano e se tornar reconhecida por seu talento. No entanto Paris foi também onde ela rompeu com Tyler, que se tornaram boas amigas depois. Em 1928, sem Tyler, que tinha retornado aos Estados Unidos, Alberta deixou Paris e foi para Londres.

"Nobody Knows You When You're Down and Out"

The great Alberta Hunter, who had a comeback at age 83, singing "Nobody Knows You When You're Down and Out," written originally by Jimmie Cox for Bessie Smith. Alberta had written one of Bessie's great blues songs, "Downhearted Blues." From the out-of-print VHS video "Alberta Hunter: Jazz at the Smithsonian."

Sua primeira aparição profissional em Londres, dois dias depois que ela chegou, foi no Picadilly Circus. Depois de um breve retorno a França, para abrir o ‘Cotton Club’ de Paris retornou aos Estados Unidos em 1929. Se ela pensou que o seu sucesso absoluto em Paris e Londres seria suficiente para abrir as portas nos Estados Unidos ela estava enganada. A depressão econômica mantinha as pessoas longe das casas noturnas. Em 1934 ela foi para Copenhagen, na Dinamarca. E novamente para Londres. Quando a segunda grande guerra estourou e Paris caiu nas mãos dos nazistas, artistas negros retornaram a Nova York, fazendo com que a concorrência por empregos fosse muito aguerrida. Adicionando a isso surgiu uma nova geração de cantoras liderada por Ella Fitzgerald, Billie Holliday, e Lena Horne. E a carreira de Alberta esfriou.

Imperturbável ela encontrou uma nova carreira, cantando para os soldados americanos na Segunda Guerra Mundial como membro do ‘United Service Organizations’ (USO). Experimentou um ataque aéreo e em teatros se apresentou para o general Eisenhower, o marechal Montgomery e Marshal Zhukov. Mais tarde continou a entreter os soldados durante a Guerra da Coréia. Alberta Hunter saiu do show business por duas décadas a partir de 1956, e foi trabalhar como enfermeira em um hospital na cidade de Nova York. Ela somente quebrou a rotina em 1961, a fim de gravar um álbum com seus velhos amigos Lovie Austin e Lil Hardin Armstrong. Nenhum de seus pacientes ou colegas de trabalho do hospital tinha a menor idéia de quem ela era ou quão famosa ela tinha sido, e Hunter preferiu dessa maneira. Aposentou-se como enfermeira em 1977, e em 1981 estava pronta para voltar à estrada. Gravou quatro discos incluindo o extraordinário ‘Amtrak Blues’, que para muitos jovens fãs são os registros definitivos de Alberta Hunter. Curiosamente, estes mesmos fãs têm pouca paciência para o seu doce e precioso cantar dos anos 20, e pouca tolerância para o seu trabalho nos anos 30 com Jack Jackson. No entanto, todas as gravações de Alberta são interessantes e importantes para o jazz e o blues. Ela continuou a se apresentar quase até o fim. Em Denver, no verão de 1984, ela finalmente decidiu que não podia mais continuar e voltou ao seu apartamento em New York. Alberta Hunter faleceu pouco depois.

Copiado na cara dura e com autorização de Pintando Música

Matt, o electricista

2010-08-30T10:37:00.000-07:00

Era uma vez um cara chamado Matt, morava em Austin, trabalhava como eletricista. Todas as manhãs, ia para o trabalho quando ainda estava escuro, e passava o dia todo trabalhando debaixo do calor escaldante do Texas. Quando chegava em casa, estava escuro de novo. E muitas vezes, sem tempo para tomar um banho ou trocar de roupa, seguia direto para os bares e casas noturnas, onde ia tocar suas canções. E ele iria se desculpar por sua aparência, e explicar ao público que passara o dia todo sob o calor e que chagara à pouco, mas encontrou uma certa nobreza nisso, e não se preocupou, afinal estava orgulhoso de si mesmo, pois não há vergonha em um dia de trabalho. Eles chamavam de Matt o eletricista.

No entanto, ele deixou seu emprego, para passar mais tempo escrevendo e tocando músicas, mas o nome ficou com ele, porque todo mundo precisa de um eletricista, por vezes.

Matt the Electrician - Osaka

Matt the Electrician / Horseshoe / Chicago, IL / Oct. 10, 2008

E há alguns que dizem que, quando a lua está cheia e Júpiter estiver alinhado com Marte, muitas vezes você pode ouvir Matt O eletricista na distância, a fiação de uma casa, e assobiar baixinho para si mesmo.

Matt the Electrician - Hammer on the Ladder

Matt the Electrician / Horseshoe / Chicago, IL / Oct. 10, 2008

MySpace ::: Site da Banda

Blowin´in the Wind - Bob Dylan

2010-08-30T05:57:00.000-07:00

Essa é um das músicas do Bob Dylan que me arrebatou de vez ao estilo folk, comecei a ouvir o Hurricane, por indicação, para um trabalho que eu estava fazendo, depois fui atrás de mais músicas do Dylan, e me deparei com Blowin´in the Wind.

Primeiramente a melodia agradou os ouvidos, depois fui atrás da letra da música e também é cheia de significados. Por favor apreciem:

Quantas estradas precisará um homem andar
Antes que possam chamá-lo de um homem?
Sim e quantos mares precisará uma pomba branca sobrevoar
Antes que ela possa dormir na praia?
Sim e quantas vezes precisará balas de canhão voar
Até serem para sempre abandonadas?
A resposta meu amigo está soprando no vento
A resposta está soprando no vento

Quantas vezes precisará um homem olhar para cima
Até poder ver o céu?
Sim e quantos ouvidos precisará um homem ter
Até que ele possa ouvir o povo chorar?
Sim e quantas mortes custará até que ele saiba
Que gente demais já morreu?
A resposta meu amigo está soprando no vento
A resposta está soprando no vento

Quantos anos pode existir uma montanha
Antes que ela seja lavada pelo mar?
Sim e quantos anos podem algumas pessoas existir
Até que sejam permitidas a serem livres?
Sim e quantas vezes pode um homem virar sua cabeça
E fingir que ele simplesmente não ver?
A resposta meu amigo está soprando no vento
A resposta está soprando no vento

Stevie Ray Vaughan - Texas Flood

2010-08-27T08:28:00.000-07:00

Stevie Ray Vaughan - Texas Flood
(Long Version)

Long version of Texas Flood by stevie ray vaughn ! Texas Flood is an electric blues album by blues guitarist Stevie Ray Vaughan and his band Double Trouble, released in 1983.
Although "Texas Flood" has three verses of lyrics, the song is more of a prolonged guitar solo, allowing Vaughan to show off his characteristic electric blues style. During live shows, he would often play portions of this song behind his back, arousing an enthusiastic crowd response. Stylistically, "Texas Flood" is structured around the common three chord blues progression. Written and performed in the key of G (sounding F# because of Vaughan's tuning), it is in 12/8 time, or compound time[1], which gives it a "slow burning" feel that is common in Texas blues.

DanyCast

2010-08-27T04:38:00.000-07:00

Olá pessoal, sexta feira braba essa... e 18h00 que não chega logo. Dica pra ajudar o dia passar numa boa: DanyCast, um podcast musical, descontraído. Cliquem na fita cassete aí em baixo, conheçam o blog e ouçam!

Dandy Livingstone

2010-08-26T13:14:00.000-07:00

O Jamaicano Robert "Dandy" Livingstone, aos 15 anos foi morar na Inglaterra, para estudar, viu seu interesse por música despertar com o amigo pianista Floyd, com quem ensaiava e tocava quase todas as noites, um vizinho gravou tudo isso, e lançou sem o conhecimento deles.
O vizinho era Gopthal Lee, executivo da Trojan Records, que o convenceu a gravar mais, e Dandy gravou, fez duo consigo mesmo em uma demo single "What a Life", no entanto foi a público que eram duas pessoas cantando, "Sugar e Dandy", a demo foi para a rádio e o disco vendeu cerca de 25.000 unidades.
Partindo do princípio que era uma dupla que cantava, tiveram de contratar alguém para as apresentações ao vivo, nisso se deu a breve parceria com Roy Smith e mais tarde com Tito "Sugar" Simone, que foi mais duradoura.
Tito era solista, vindo a gravar uma faixa "Oh Lawdy Miss Clawdy", que foi lançada como lado B em álbum de Livingstone, e mais tarde estabeleceu uma carreira própria.

Mesmo frequentando a escola Livingstone continuou sua carreira de cantor, e em 1967 assinou com Ska Beat Records. Logo depois, trouxe o vinil long-play para Ska Beat, Rocksteady com Dandy. Na Ska Beat, com outros artistas como os Wailers, Don Drummond, e Baba Brook, contribuíram para o crescimento do rótulo. Fundada no bairro do Norte de Londres, Ska Beat Records cresceu em um dos três principais rótulos ska na Grã-Bretanha, sendo superado apenas por Melodisc e Island Records. Com "Rudy Uma Mensagem para Você", entrou no top 50 e vendeu no total 30.000 unidades.

Em 1968, começou a produzir músicas para Audrey Hall, e juntou ele em um duo chamado Dandy e Audrey. lançaram muitos singles e o álbum, I Need You, de 1969.
Com a popularidade trazido por Livingsotne, a Torjan Records assinou vários contratos e emplacou muitos álbuns e concedeu à Dandy o status de artista e produtor, ganhou atenção com o "Reggae em seu Jeggae" em 1969 e seguiu em 1970 com o hit "Raining in My Heart", que vendeu mais de 130,0000 unidades.

No entanto em 1970, Dandy lançou Morning Side of the Mountain, que foi desapontador, e fez com que Livingstone retornasse à Jamaica.

Com mais de cinquenta singles e um punhado de álbuns, o incentivo de Livingstone diminuiu, estando ainda em hiato em 1972, gravou "Big City" e sua própria versão de "Suzanne Beware of the Devil", antes de retornar para a Inglaterra. Obteve grande sucesso com "Suzanne Beware of the Devil", que foi lançada como single em 1972 e mais tarde serviu como a faixa-título de uma coletânea em 2002.

Em 1973, Livingstone divulgou uma composição muito pessoal chamado "Black Star", e do outro lado "All Strung Out On You". Gravou o álbum completo com sua percepção da situação dos negros na sociedade, particularmente nas Índias Ocidentais. Os "Black Star" são consideradas entre as suas melhores obras. De volta a Grã-Bretanha, gravou onze faixas no estúdio de Byron Lee, lançando um álbum em 1973. A reprise de "Suzanne Beware Of The Devil" invadiu as paradas britânicas.

Livingstone atraiu diversos fãs, apelando para os entusiastas de ska, bem como a fusão punk-ska. E o movimento skinhead levantada "Suzanne Beware of the Devil" ao estatuto de hino.

Ao discutir sua arte e carreira na compilação Hamlyn Black Music, ele comentou:

"Quando me sentei para escrever a música [" Black Star "], percebi que muitos artistas negros devem ganhar o pão muito mais do que atualmente. ... Mesmo na América do artista branco ganha ainda mais! O artista negro é apenas tão bom quanto um artista branco, se não melhor! Portanto, não deve ainda estar lutando para conseguir uma parte igual."

Suzanne Beware of the devil

FARRAZINE 17

2010-08-26T04:50:00.000-07:00

Chegou a nova edição do FARRAZINE. O Zine Virtual que fala sobre praticamente tudo!

NESTA EDIÇÃO:
As HQ's: JUSTIÇA 40º e LONG PLAY

E mais:
• O Nascimento da Era de Prata • A Laranja Mágica • Quebra-Quebra no Tróia’s Bar • Os Kana: Katakana • Quadrinhos Gonzo • Anarquia nos Quadrinhos: A Máscara do Riso • Nostalgia • Biografia: J. J. Abrams • Blues - parte 3 • Uma Manhã • A Armadilha • O Poeta • A Sua Cor

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Outros Sons

2010-08-24T08:28:00.000-07:00

Alguns sons interessantes que encontrei fuçando no MySpace, ainda não aprendi a usar aquela ferramenta, mas pra mim a grande sacada é poder conhecer o trabalho de pessoas que fazem música, encontrei esses dois:

Michael Hurley
Country / Bluegrass / Psicodélico
MySpace
Site Oficial
Membros da Banda:
Dave Roush, Forest Bloodgood, Willy Longwire
Influências:
Vince Gauraldi, Sam Hinton
Selo de Gravação:
Gnomonsong, Mississippi Records, Rounder Records
Tipo de selo:
Indie

Animation sequence in Michael Hurley's first feature length documentary "American Boogie." Animation by Michael Hurley and Jeffrey Bowers. Film out Oct. 20.

:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

Robert T. Kent
Folk / Country
MySpace
Reverbnation

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M.D. Morgan & Midnight Moon
Folk / Country

MySpace
Site Oficial
Selo de Gravação:
Reelife Records
Tipo de selo:
Indie

Infelizmente não consegui achar nem vídeo ou música que fosse possível ser divulgada, apenas esse vídeo ao qual a trilha sonora foi contribuição do M.D. Morgan.

Robert Johnson - STOP BREAKIN DOWN

2010-08-22T06:08:00.000-07:00

Este é um curta, que já vi várias vezes no youtube, retrata de forma rápida a trajetória de Robert Johnson, um dos maiores bluesman. Se alguém souber onde posso encontrar esse curta ou mesmo a legenda, poderia deixar nos comentários!

The Jon Spencer Blues Explosion

2010-08-20T13:11:00.000-07:00

Devil Got My Woman
...

From Martin Scorsese "The Soul Of A Man"

...
High Gear / Talk About The Blues

Jon Spencer in French TV Show

...

Dan Auerbach

2010-08-20T08:19:00.000-07:00

Dan Auerbach, de Akron, Ohio, vocalista e guitarrista do Black Keys, vem de uma família de músicos e ele sabe muito bem como escrever e contextualizar uma música, aproveitando do tempo livre para compor e gravar, ele decidiu tirar tudo da gaveta e reunir em um só lugar, o que resultou um álbum solo Keep It Hid, em 2009, feito no estúdio próprio que tem em casa, ao Akron Analog, encontramos um rock'n'roll voraz e de blues assombrado, o som atravessa o rock britânico sessentista, o blues do delta e o garage rock.

O disco mostra que ele conhece profunda e intuitivamente a história que reconstrói em canção.

O clima é o mesmo da banda que forma com Patrick Carney, as canções seguem o mesmo estilo, Dan afirma que não há porque fazer algo muito diferente.

Mesmo assim o Álbum é extremamente recomendável, o pai compôs uma canção, o tio tocou guitarra noutras, os amigos juntaram-se à sua volta, e é sobre o amor pela música.

Em um trecho da entrevista à Ipsilon, Auerbach comentou:
"- Há alguns anos, viajei duas, três, quatro vezes até ao Mississipi para conhecer aquele que considerava uma das minhas grandes influências, o bluesman Junior Kimbrough. Uma vez cheguei atrasado - o músico estava a tocando em outra cidade. Outras, tive o azar de Kimbrough estar doente e cancelar as suas apresentações. Na última tentativa, chegou tarde demais, o bluesman morrera em Janeiro desse ano."

Essa história poderia ser uma de suas canções, pedaços de lírica sem grande espaço por onde a luz entra. Desdém e paranóia, contos tétricos ou malvadezas amorosas.

Isso é o que ouvimos nas canções de Auerbach, e não é fingimento ele é assim. Gosta do filme negro, de poesia negra. Não confia em pessoas felizes. São uma maldição.

Músico à moda antiga, desconfiado das certezas inabaláveis de uma certa modernidade da música popular urbana, baixa as guardas quando se discutem as bandas que aprecia, dos Creedence Clearwater Revival, que idolatra, aos Wu Tang Clan que, no que ao ambiente sonoro diz respeito, representavam tudo aquilo que os Black Keys ambicionavam quando começaram.

A voz, que Auerbach torna rugosa, repleta de eco, conta-nos de sons escutados em silêncio, denuncia pesadelos, malvadezas com destinatário específico, marcado pela sofreguidão do circo psicadélico, e entre o blues cavernoso e o negrume subterrâneo, encontremos um homem capaz de exibir um coração aberto ao romantismo da soul e de serenar em alpendre iluminado pelo crepúsculo, ou seja, Auerbach conhece e incorpora tão bem aquilo que faz do rock'n'roll ser o rock'n'roll e de uma canção uma verdadeira canção.

...

Whispered Words

My Last Mistake

Street Walkin'

Trouble Weighs A Ton

...

Maná - Vivir Sin Aire

2010-08-19T09:44:00.000-07:00

Videos, Maná, Unplugged

Está é outra daquelas músicas que me grudam na mente, e acabam se tornando atemporais.

Mariee Sioux

2010-08-19T05:53:00.000-07:00

Mariee Sioux (se pronuncia algo como “Mary Suu”), compositora e cantora de folk, natural de Nevada, EUA. Essa jovem de apenas 25 anos, mostra grande talento ao violão, que aprendeu a tocar sozinha, enquanto era voluntária a fornecer ajuda humanitária a crianças indígenas na Patagônia.

“Me diga se eu tenho rios ou veias / correndo sob minha pele / fluindo por todo o lugar”. - Trecho de Buried in Teeth

Seu pai, que também é músico, toca bandolim e a acompanha com a flauta indígena, as raízes indígenas vem da parte de sua mãe, que é descendente de espanhóis e indígenas do México.

A inocência, a melodia natural, a pureza, a naturalidade, uma voz doce, emotiva, límpida, delicada e meio infantil, que flui em meio aos acordes do violão que ela toca, as flautas indígenas e o bandolim de seu pai. Ao mesmo tempo em que ela passa certa dor, passa também um bem estar, comparável ao que a gente experimenta quando se separa um pouco de nós mesmos para, em troca, nos unirmos mais com o mundo. As palavras, embora eventualmente soem como balbuciar infantil, são articuladas com delicadeza e clareza. O ritmo da música é acelerado, mas sem ser exatamente dançante. O violão toca rapidinho, mas num ritmo constante – com mudanças de ritmo súbitas, que sempre me sugerem aqueles hiatos de consciência que a gente experimenta em momentos especiais. O resultado de tudo isso é um som espiritual, sem soar new age; folk, sem soar hippongo demais, que te arrepia de surpresa e te faz gostar mais da natureza e se sentir o elo que ainda nos une aos nossos ancestrais. As letras são a parte mais interessante. Geralmente fazem pouco sentido lógico, mas eu posso intuir uma profundidade bem forte nelas. Pessoais, subjetivas, muitas vezes ela parece falar como criança e, claro, usando bastante do imaginário indígena. Povoadas por seres da floresta, animais livres, magos, seus pais, e a união com a Natureza, suas letras são poesia bem feita.

Faces In The Rocks é seu primeiro álbum de estúdio. Nele se destaca sua maravilhosa voz e sua arte em criar canções, acompanhado de belíssimas flautas indígenas americanas, além de bandolins, tocados por seu pai. Todo o CD é dedicado e baseado em canções nativas dos índios americanos.

Destaques o álbum todo, mas especialmente para as faixas "Wizard Flurry Home" e "Wild Eyes".

Mariée Sioux performing "Wild Eyes" at Sunset Jazz Club in Paris. November 13, 2008.

Mariée Sioux performing "Wizard Flurry Home" at Sunset Jazz Club in Paris. November 13, 2008.

Para ouvir: Lastfm e MySpace

Howlin' Wolf , o Lobo Uivador!

2010-08-18T05:05:00.000-07:00

Foi provavelmente o mais vigoroso intérprete na história do blues moderno. Um homem ameaçador, com seus mais de 1,80m de altura e quase 150 Kg de peso, Wolf dava novo significado ao blues toda vez que se apresentava, com suas bravatas e comicidade, e sua absoluta intensidade física. Chester Athur Burnett devia o nome ao último presidente americano do século XIX. Foi apelidado, ainda criança, de ‘Lobo Uivador’, talvez por seu comportamento endiabrado. Ele teve contato com o blues muito cedo, suas influências incluem Charlie Patton com quem aprendeu a tocar guitarra e a gaita com Rice Miller (Sonny Boy Williamson II), que era seu cunhado. Nascido em 1910, em West Point, Mississippi, Wolf passou os primeiros 40 anos de sua vida conciliando a vida de bluesman com a de agricultor. Durante os anos de 1920 e 1930, ele trabalhava na fazenda de seu pai e cantava nos finais de semana, freqüentemente tocando violão e gaita. Depois de servir ao Exército durante a Segunda Grande Guerra, ele se mudou em 1948 para West Memphis, Arkansas, um centro musical do sul dos Estados Unidos. Conseguiu patrocínio para um programa na estação de rádio local, KWEM, e em sua banda chegaram a tocar os gaitistas James Cotton e Junior Parker e os guitarristas, Willie Johnson, Pat Hare e Matt ‘Guitar’ Murphy.

Recomendado por Ike Turner, Howlin’ Wolf gravou pela primeira vez em 1951, com o produtor Sam Phillips, que mais tarde foi o descobridor de Elvis Presley. Em 1953 Wolf se mudou para Chicago, assinando exclusivamente com a ‘Chess Records’, lendário selo de Chicago de Leonard Chess, onde sua carreira decolou. Suas músicas deste período se alternam entre o som moderno e suas raízes delta. Em Chicago passou o resto de sua vida, crescendo em popularidade até ser considerado um dos maiores do blues. Também foi em Chicago que encontrou seu maior concorrente, Muddy Waters. Devido às músicas de Willie Dixon aconteceu uma disputa pelo cetro do blues entre Wolf e Muddy, permanecendo entre eles durante os anos de 1960 e 1970. Alguns historiadores sugerem que a competição que houve entre eles, levou a ambos a atingirem grande nível artístico no mundo do blues.

De Willie Dixon, Wolf gravou clássicos como: ‘Spoonful’, ‘Little Red Rooster’, ‘Evil’, ‘Back Door Man’ e ‘I Ain'tSuperstitious’. Embora não fosse considerado um grande compositor de blues, Wolf escreveu os grandes sucessos: ‘Moanin' at Midnight’, ‘Smokestack Lightning’ e ‘Killing Floor’ entre outros. Todas essas músicas estão no excelente ‘The Chess Box’, que é um bom levantamento das músicas de Wolf ao longo de sua carreira. Grupos como ‘The Animals’, ‘The Jeff Beck Group’, ‘The Yardbirds’, ‘Led Zeppelin’ e ‘The Rolling Stones’ gravaram suas músicas. Em 1964, casou-se com sua namorada Lillie Hanley. Em 1964, ele apareceu na televisão americana, em cadeia nacional, com os ‘Rolling Stones’.

Smokestack Lightning
Howlin' Wolf (with Willie Dixon and Hubert Sumlin)
performs Smokestack Lightning. Live England 1964

Em 1968, a ‘Chess Records’ fez uma tentativa de modernizar a música de Howlin' Wolf e Muddy Waters, convencendo-os a gravarem com arranjos psicodélicos, inspirados em Jimi Hendrix, o que resultou nos álbuns ‘Electric Mud’ e ‘The Howlin' Wolf Álbum’ respectivamente. Howlin' Wolf reprovou a experiência, sendo a sua insatisfação retratada pelos irmãos Chess na capa do álbum. Mesmo assim, durante o resto desta década ele estreitou laços com o rock, gravando outro álbum, o ‘The London Howlin' Wolf Sessions’, em 1969 no ‘Olympic Sound Studios’. Junto com seu fiel guitarrista, Hubert Sumlin, Wolf liderou, durante esse período uma banda formada na maior parte do tempo por Eric Clapton, Steve Winwood, Bill Wyman e Charlie Watts. Houve participações eventuais, como as de Ian Stewart, Ringo Star, Lafayette Leake e Klaus Voormann. A capa do disco mostra o próprio Wolf, Clapton e Watts sentados na ‘Piccadilly Circus’, cartão-postal londrino.

No final da década, a saúde Wolf começou a falhar e ele sofreu vários ataques cardíacos. Um acidente de carro em Toronto em 1970 danificou severamente os seus rins, mas Wolf continuava a se apresentar apesar da diálise que era feita a cada três dias. Mesmo com os problemas de saúde, ele chegou a fazer um segundo disco na Inglaterra, ao lado de Muddy Waters. O álbum ‘Back Door Wolf’ gravado em 1973, foi o último do bluesman. Na música ‘Coon on the Moon’ Wolf faz uma predição do futuro: ‘you gonna wake up one morning, and a coon’s gonna be the President’ (você irá acordar em uma manhã, e um negro será o presidente). ‘Coon’ é um insulto dirigido aos negros. Sua última apresentação foi em Chicago, com B.B. King, em novembro de 1975. Chester Howlin’ Wolf Burnett faleceu dois meses depois, em Illinois, de insuficiência cardíaca durante uma cirurgia. Em 1991, Wolf foi incluído postumamente no ‘Rock and Roll Hall of Fame’.

Howlin' Wolf / Muddy Waters / Bo Diddley - Sweet Little Angel

Howlin' Wolf - Who's Been Talking

Mudy waters & Howlin' Wolf - The Red Rooster

Via Pintando Música

Grandpa Elliott, das ruas para o mundo!

2010-08-17T06:34:00.000-07:00

Grandpa Elliot, ou Elliot Small é um senhor de barbas brancas, músico de rua em Nova Orleans, sempre usando seu macacão jeans, é comum encontrá-lo cantando na área turística do French Quarter a maior parte do ano. Nascido e crescido ali, tem se apresentado nas ruas por mais de sessenta anos em troca de gorjetas.

Mais conhecido por tocar blues, tem por parceiro o jovem Michael Stone aka Stoney B. Embora nada significativo, já produziram algumas gravações ao longo dos anos, mas são raríssimas e portanto difíceis de encontrar.

Saiu do anonimato por conta do projeto Playing for Change, que envolve 37 músicos de rua do mundo inteiro e tem o seguinte lema: O Mundo pode encontrar paz por meio da música.

O vídeo em que Elliot apresenta a música Stand by Me teve mais de 30 milhões de acessos na internet.

Vovô Elliot margeia o blues e o R&B. Tem som aconchegante e voz de tom forte. Sua gaita passeia com doçura pelas músicas.

Share Your Love With Me mostra claramente toda sua competência e carinho pela música.

Em versão ao vivo, Fannie Mae traz improvisos vocais de Elliot e das garotas que o acompanham nas vozes de fundo, com direito a um belo solo de gaita do vovô regado à muito swing.

Não importa qual seja a platéia, tampouco o tamanho dela. Vovô Elliot faz música com gosto!

A gaita blueseira de Elliot se destaca em várias faixas do álbum, como no clássico “Baby, What You Want Me to Do” e na dançante gravação ao vivo de “Fannie Mae”. Mas o que mais chama atenção é mesmo o vozeirão encorpado e expressivo de Grandpa, seja na saborosa releitura do blues “Ain’t Nothing You Can Do”, temperada pelas guitarras dos africanos Jason Tamba e Louis Mhlanga, ou no tratamento soul que empresta à emotiva “Please, Come Home for Christmas”. Uma história perfeita para ilustrar o ditado "jamais desista do seu sonho".

Sugar Sweet | Grandpa Elliott | Playing For Change

The Mynabirds

2010-08-12T07:39:00.000-07:00

A cantora e compositora Laura Burhenn, sempre imaginou uma banda que misturasse Neil Young e a sonoridade da Motown.
Com essa idéia na cabeça, passou a reunir várias referências do que gostava, livros e gravações, e compôs várias letras, após isso, pegou uma coleção de discos de Dandy Livingstone, Buffy Sainte-Marie e James Brown, se refugiou nas colinas ásperas de Oregon, no verão de 2009, e juntamente com Richard Swift, começaram a trabalhar em seu primeiro álbum.

Ela acertou tanto na intenção, quanto na descrição da banda, pois vemos as evidências de folk/country nas músicas, e a presença da música negra, marcada principalemente pelo teclado.

Confira as músicas no Site oficial e no MySpace!

The Mynabirds - Numbers Don't Lie
From the album: "What We Lose In The Fire We Gain In The Flood"

Band of Skulls

2010-08-09T10:55:00.000-07:00

Band of Skulls é uma banda de Rock de Southampton, England. Não há nada de atípico na história da banda, dois garotos e uma garota que se conheceram na faculdade, começaram a tocar juntos em pubs de Londres e começaram a fazer sucesso, mudaram de nome, assinaram com um selo, gravam um álbum.

Não se deixe pré julgar, pelo fato de ter uma música deles no filme crepúsculo, o som não soa estranho aos ouvidos nem por um momento, podemos colocar na prateleira ao lado de Black Rebel Motorcycle Club, The Greenhornes, The Raconteurs e Dead Weather. O álbum Baby Darling Doll Face Honey é repleto de canções marcantes, o talento desses três os permite inventar e inspirar.

O vocal é dividido entre Russell Marsden e Emma Richardson, o que por si só já diversifica o som. E o estilo das músicas variam entre uma atmosfera bluesy, o clássico rock britânico, e o rock moderno, fazendo com que as comparações com as diversas bandas de Jack White sejam inevitáveis.

Dica e texto editado apartir dos originais em:

Ventiladores - O Lenhador

The Civil Wars

2010-08-05T09:19:00.000-07:00

Essa mais uma de minhas recentes descobertas, e foi praticamente ao acaso, eles também disponibilizam material pra download, facilitando o acesso das pessoas ao trabalho que desenvolvem.

Joy Williams e John Paul White formam este duo enigmático, uma mistura de Southern, folk e indie. Vozes e um violão - às vezes um piano.

The Civil Wars are Joy Williams & John Paul White.

"Falling", the first song that we ever wrote together.

Se você ler os comentários no MySpace da banda e as páginas de Facebook, as reações mais comuns a música são: "de arrepiar" "cabelos em pé" "Fascinação".

Partir do dedilhar inicial de guitarra de White e os acordes do piano de Williams, você é tomado por um som simples e primitiva.

Clique na capa aí ao lado para fazer o download do álbum que a banda disponibilizou, ou acesse o MySpace para ouvir mais músicas.

Sonny Terry & Brownie McGhee

2010-08-05T04:26:00.000-07:00

Sonny Terry, cantor de blues e gaitista, nasceu Saunders Terrell em Greensboro, Georgia, EUA. Ele perdeu a visão em dois acidentes distintos, de um olho na infância e do outro na adolescência. Seu pai tocava gaita e ensinou Terry que desenvolveu um estilo que imitava sons de comboios em movimento e de animais, muitas vezes utilizando a voz para conseguir esses efeitos. Percebendo que não poderia exercer uma profissão na agricultura devido à cegueira, Terry decidiu ser cantor de blues influenciado pelo gaitista DeFord Bailey. Viajou como músico itinerante e em 1934 fez amizade com o popular guitarrista Blind Boy Fuller que o convenceu a mudar-se para Durham, onde os dois imediatamente ganharam notoriedade local. Em 1937 teve a oportunidade de ir para Nova York e gravar para a etiqueta Vocalion. Um ano depois estava participando com John Hammond do legendário concerto ‘Spirituals to Swing’, onde realizou uma de suas músicas memoráveis, ‘Mountain Blues’. Ao voltar para Durham, Terry continuou tocando regularmente com Blind Boy Fuller e também conheceu seu futuro parceiro, o guitarrista Brownie McGhee, que iria acompanhar Terry nas próximas duas décadas.

Performing "Hootin' the Blues" and "When the Saints Go Marchin' In" on Rainbow Quest with Pete Seeger

Após a morte de Fuller em 1941, Terry e McGhee foram para New York onde encontraram emprego fixo, tocando tanto como duo como sozinhos. Em meados dos anos 50, começaram a ampliar seus horizontes para fora de Nova York tornando-se conhecidos nos circuitos de festivais de folk e blues. Foi também nesta época que aceitaram papéis na Broadway, ao juntarem-se em 1955 na produção de ‘Cat on a Hot Tin Roof’ do dramaturgo Tennessee Williams. E Terry ainda encontrou tempo para trabalhar com o cantor Harry Belafonte e em comerciais de televisão. Estava constantemente viajando ao longo da década de 70, parando apenas o tempo suficiente para escrever seu livro de instruções para gaita. Devido a problemas pessoais com McGhee, infelizmente, Terry renunciou a longa parceria. Durante sua carreira, Terry também se apresentou com os bluesmen Blind Gary Davis, Mississippi John Hurt e Big Bill Broonzy. E foi descoberto por uma geração mais jovem através de Johnny Winte que produziu o álbum ‘Whoppin’ com Willie Dixon. Winter tinha também produzido um álbum de retorno de Muddy Waters (Hard Again) que ajudou a rejuvenescer sua carreira, e estava tentando o mesmo com Terry. Nos anos 80, Terry parou de gravar e só aceitou esporádicas aparições ao vivo. Faleceu em 1986, ano em que foi introduzido na ‘Blues Foundations Hall of Fame’

Sonny Terry and Brownie McGhee play "Red River Blues" and "Crow Jane," two of the oldest known pieces in the Piedmont blues repetoire. From the DVD "Brownie McGhee & Sonny Terry: Red River Blues 1948-74."

Brownie McGhee faleceu dez anos depois, em 1996, representando uma perda enorme e insubstituível para o bues. Embora sofresse de câncer de estômago, o guitarrista ainda era o líder do estilo ‘piedmont’ um dos mais antigos e diferentes tipos de blues, caracterizado pelo andamento mais rápido por causa da sua mistura com ragtime tocado no banjo sendo encontrado principalmente na região das montanhas Apalaches. Venerado no mundo todo pelas suas atividades tanto por conta própria ou como parceiro de Sonny Terry, Walter Brown McGhee nasceu em Knoxville, Tennessee, EUA. Filho de um cantor e guitarrista, ele contraiu poliomielite aos quatro anos de idade, que o deixou mancando e desenvolveu interesse pela guitarra com seis anos de idade e foi ensinado por sua irmã a tocar piano aos oito anos. Cantor de blues, guitarrista, pianista, compositor e parceiro de longa data do vocalista e gaitista Sonny Terry ele ficou impressionado com os músicos de blues itinerantes e abandonou a escola no final de 1920 para se apresentar em shows de menestréis, bailes e reuniões informais em todo Tennessee. Em meados da década de 30 ele já tinha a sua própria banda quando conheceu Terry na Carolina do Norte em 1939 e trabalhou com ele e com o cantor Paul Robeson, em Washington, DC, em 1940. Suas primeiras gravações foram para o rótulo OKeh em 1940, mais tarde ele gravou extensivamente com Terry e outros, apresentando um estilo rural autêntico. A parceria entre Terry e McGhee começou em 1941 e durou, com interrupções freqüentes, até o final de 1970. Em 1942 McGhee fundou sua própria escola de música, a ‘Home of the Blues’, no Harlem. McGhee e Terry foram os primeiros artistas do blues a excursionar em turnês pela Europa durante os anos 50. Uma de suas últimas aparições foi em 1995 no ‘Chicago Blues Festival’, sua voz estava um pouco menos robusta do que o habitual, mas o som da sua guitarra acústica cortou com entusiasmo o ar da noite fria.

Sonny Terry & Brownie McGhee - Key to the Highway - Rainbow Quest with Pete Seeger

Via Pintando Música

Hurricane - Bob Dylan

2010-08-04T12:33:00.000-07:00

Rubin Carter, boxeador, conhecido como Hurricane ( Furacão) foi preso em 66, acusado de assassinato em primeiro grau. Foi libertado, após 19 anos de prisão, em 85.
Recentemente sua história foi contada no filme Hurricane, sendo interpretado brilhantemente por Denzel Washington

Bob Dylan foi processado pela Patty Valentine, por ter usado seu nome na música .

Tiros de revólver ressoam na noite dentro do bar
entra Patty Valentine vinda do salão superior
ela vê o garçon numa poça de sangue
solta um grito "Meu Deus, mataram todos eles!"
aí vem a história do Hurricane,
o homem que as autoridades acabaram culpando
por algo que ele nunca fez.
colocando numa cela de prisão, mas houve um tempo
em que podia ter sido o campeão mundial

Três corpos deitados ali é o que Patty vê
e outro homem chamado Bello rodeando misteriosamente
"Eu não fiz isso" ele diz e joga os braços pra cima
"Estava só roubando a registradora , espero que você entenda.
"Eu os vi partindo" ele diz e pára
"É melhor um de nós ligar pros tiras"
e assim Patty chama os tiras
e eles chegam na cena com suas luzes vermelhas piscando
na noite quente de New Jersey

Enquanto isso, bem longe, em outra parte da cidade
Rubin Carter e uns dois amigos estão dando algumas voltas de carro.
O pretendente número um à coroa dos pesos-médios
não tinha idéia do tipo de merda que estava para baixar
quando um tira o fez parar no acostamento
igualzinho à vez anterior e à outra vez antes dessa
em Paterson é assim mesmo que as coisas rolam
se você é negro, melhor nem aparecer na rua
a não ser que queira atrair uma batida policial.

Alfred Bello tinha um parceiro e ele soltou um papo atrás dos tiras
Ele e Arthur Dexter Bradley estavam só fazendo uma ronda
Ele disse "Vi dois homens sairem correndo, pareciam pesos-médios
Pularam dentro de um carro branco com a placa de outro estado"
E a senhorita Patty Valentine apenas assentiu com a cabeça.
Um tira disse, "Esperem um minuto, rapazaes, este aqui não está morto"
Então o levaram à enfermaria
E embora esse homem mal pudesse enxergar
Disseram a ele que podia identificar os culpados.

As 4 da manhã eles arrastam Ruby consigo,
O levam para o hospital e o trazem escada cima
O homem ferido olha pra cima através de seu único olho moribundo
Diz, " Por que vocês o trouxeram aqui dentro? Não é esse o cara!"

Sim, eis aqui a história do Hurricane,
O homem que as autoridades acabaram culpando
Por algo que ele nunca fez.
Colocando numa cela de prisão, mas houve um tempo
Em que podia ter sido o campeão mundial.

Quatro meses depois, os guetos estão em chamas,
Rubin está na América do Sul, lutando por seu nome
Enquanto Arthur Dexter Bradley continua no ramo do assalto
E os tiras estão apertando-o, procurando alguém pra culpar.
"Lembra daquele assassinato que aconteceu num bar?"
"Lembra que você disse ter visto o carro fugitivo?"
"Você acha que está a fim de brincar com a lei?"
"Não acha que talvez tenha sido aquele lutador que você viu correndo pela noite?"
"Não se esqueça de que você é branco"

Arthur Dexter Bradley disse "Não tenho muita certeza."
Os tiras disseram, "Um rapaz como você precisa de uma folga da polícia
Te pegamos por aquele serviço no motel e agora estamos conversando com seu amigo Bello
Agora,você não querter de voltar pra cadeia, seja um sujeito legal.
Você estará fazendo um favor a sociedade.
Aquele filho-da-puta é valente e está ficando cada vez mais.
Nós queremos botar o rabo dele pra fritar
Queremos pregar esse triplo assassinato nele
O cara não é nenhum cavalheiro"

Rubin podia apenas nocautear um cara com apenas um soco
Mas nunca gostou muito de falar sobre isso
"É meu trabalho", diria, "E eu o faço para ser pago
E quando isso termina, prefiro cair fora o mais rápido possível
Na direção de algum paraíso
Onde riachos de trutas correm e o ar é ótimo
E andar a cavalo ao longo de uma trilha."

Mas aí o levaram para a cadeia
Onde tentaram transformar um homem num rato.

Todas as cartas de Rubin já estavam marcadas
O julgamento foi um circo de porcos, ele não teve a menor chance.

O juiz fez das testemunhas de Rubin bêbados das favelas
E para os brancos que assistiam, ele era um vagabundo revolucionário
E para os negros, apenas mais um crioulo maluco.
Ninguém duvidava que ele tinha apertado o gatilho.
E embora não conseguissem produzir a arma,
O promotor público disse que era ele o responsável
E o juri, todos de brancos, concordou

Rubin Carter foi falsamente julgado
O crime foi de assassinato "em primeiro grau" adivinha quem testemunhou?

Bello e Bradley,e ambos mentiram descaradamente
E os jornais, todos pegaram uma carona nessa onda.
Como pode a vida de um homem desses
Ficar na palma da mão de algum tolo?
Vê-lo obviamente condenado numa armação
Não teve outro jeito a não ser me fazer sentir vergonha
De morar numa terra onde a justiça é um jogo.

Agora todos os criminosos em seus paletós e gravatas
Estão livres para beber martinis e assitir o sol nascer
enquanto Rubin fica sentado como Buda em uma cela de 3 metros
Um inocente num inferno vivo.

Essa é a história do Hurricane,
Mas não terá terminado enquanto não limparem seu nome
E devolverem a ele o tempo que serviu.
Colocado numa cela de prisão, mas houve um tempo
Em que podia ter sido o campeão mundial.

The Watchmen - Soundtrack

2010-07-30T04:08:00.000-07:00

Olá pessoal, tudo certo ae? Bom, por aqui um tanto quanto correria, mas estou escrevendo um texto bacana sobre Grampa Elliot, logo logo postarei aqui, por enquanto, deixo vocês com algumas músicas que foram responsáveis por me fazer trilhar o caminho até o Mississipi e descobrir o blues.

São canções de 4 artistas que foram influênciados muito polo som do Delta, e por sua vez também fizeram uma contribuição!

Conhecidência, ou não, essas três canções aparecem na trilha sonora do filme "The Watchmen", procurei a cena do filme em que a música é tocada, mas não está liberada para postagem aqui, pelo menos no youtube. No entanto, encontrei versões significativas, espero que apreciem!

Bob Dylan - The Times They Are A Changing

Janis Joplin - Me and Bob Macgee

Simon and Garfunkel - The Sounds of Silence

Jimi Hendrix - All Along The Watchtower

Brinde - Far Away Eyes

2010-07-27T10:51:00.000-07:00

Great song from The Rolling Stones, it's the
sixth track from Rolling Stones' 1978 album Some Girls

I was driving home early sunday morning through bakersfield
Listening to gospel music on the colored radio station
And the preacher said, you know you always have the
Lord by your side

And I was so pleased to be informed of this that I ran
Twenty red lights in his honor
Thank you jesus, thank you lord

I had an arrangement to meet a girl, and I was kind of late
And I thought by the time I got there shed be off
Shed be off with the nearest truck driver she could find
Much to my surprise, there she was sittin in the corner
A little bleary, worse for wear and tear
Was a girl with far away eyes

So if youre down on your luck
And you cant harmonize
Find a girl with far away
And if youre downright disgusted
And life aint worth a dime
Get a girl with far away eyes

Well the preacher kept right on saying that all I had to do was send
Ten dollars to the church of the sacred bleeding heart of jesus
Located somewhere in los angeles, california
And next week theyd say my prayer on the radio
And all my dreams would come true
So I did, the next week, I got a prayer with a girl
Well, you know what kind of eyes she got

So if youre down on your luck
I know you all sympathize
Find a girl with far away eyes
And if youre downright disgusted
And life aint worth a dime
Get a girl with far away eyes

Enterrem Meu Coração na Curva do Rio

2010-07-27T08:50:00.000-07:00

Eu sei que não tem nada a ver com música, mas assisti a esse filme no fim de semana, e gostaria de compartilhar com vocês, selecionei trechos das pesquisas que fiz, e coloquei ae abaixo.

Eu já havia assistido à série "Into the West" onde vemos a conquista do oeste pela ótica dos índios! No entanto esse filme acima, baseado no livro homônimo, de Dee Brown.

Nos velhos tempos, o mocinho ganhava do bandido e casava com a mocinha. Ninguém era mais bandido que os os índios. Neste livro é contado o outro lado da história.

A gente pintada que gritava e atacava, é um povo altivo, nobre e com cultura própria e tinham nome: Cochise, Geronimo, Nuvem Vermelha, Cavalo Doido, Victorio Touro Sentado, Galha...Só entraram na guerra para defender o direito de viver nas terras que sempre foram suas. Contra eles um dos maiores exércitos da época. Os brancos guardam na memória os massacres Fetterman e Little Big Horn, onde morreu o General Custer. Foram relegados aos livros especializados e de difícil acesso, o grande número de massacres a aldeias índias, e a morte a sangue frio de velhos, mulheres e crianças.

O período coberto por este livro entre l860 e l890, foi uma era de violência, cobiça, audácia e uma atitude reverente com o ideal de liberdade pessoal, por parte dos que já a possuíam. Nessa época, a cultura e a civilização do índio americano foram destruídas e os grandes mitos do Oeste Americano: negociante de peles, homens das montanhas, pilotos de vapores, mineiros, jogadores, pistoleiros, soldados da cavalaria, vaqueiros, prostitutas, missionários, professores e colonizadores tiveram suas histórias. A voz do índio ocasionalmente foi ouvida e nunca foi registrada pelo homem branco. O índio era a ameaça dos mitos.

Mas todas as vozes índias do passado não foram perdidas. Quando eu era jovem, andava por todo este território, pelo leste e pelo oeste, e nunca vi outro povo além dos apaches. Depois de muitos verões, andei novamente por ele e encontrei outra raça de pessoas que vieram para toma-lo. – Cochise, dos apaches chiricahua.

Quando os americanos chegaram pela primeira vez no Arizona, Cochise recebeu-os bem. Em 1856, prometeu deixar os americanos atravessarem o território chiricahua, pela estrada sul, para a Califórnia. Em 1861, recebeu uma mensagem, pedindo que fosse à estação conferenciar com um oficial. Assim que entrou na barraca, doze soldados o cercaram e o tenente exigiu que os chiricahuas entregassem o gado e um menino mestiço eu haviam sido roubados de um rancho. Cochise achou que ele estivesse brincando, e não deu importância a acusação. O tenente ordenou sua prisão. Quando os soldados se adiantaram ele abriu um buraco na barraca e fugiu sob uma salva de tiros. Ferido, conseguiu escapar. Furioso porque não acreditaram que o seu povo fosse inocente, sitiou a companhia de infantaria na estação de diligencia. O tenente revidou, enforcando três parentes masculinos de Cochise. Cada nação indígena teve seu momento de desencontro, de autoritarismo, de tragédia e de destruição.

Nasci na pradaria onde o vento sopra livre e não existe nada que detenha a luz do sol. Quero morrer ali. Não dentro de quatro paredes. Quando estive em Washington, o Grande Pai Branco, disse que toda a terra comanche era nossa e que ninguém deveria impedir-nos de morar ali. Assim, porque nos pedem para deixar os rios, o sol e o vento, para irmos morar em casas. Não nos peçam para trocar o búfalo pelos carneiros.Só queremos vagar pelas pradarias até morrermos. – Dez Ursos, dos comanches yamparika.

"Fizeram-nos muitas promessas, mais do que me posso lembrar, mas eles nunca as cumpriram, menos uma: prometeram tomar nossa terra e a tomaram." - Nuvem Vermelha, dos Sioux Oglala Teton.

É impossível não encarar este livro como uma latente crítica à forma de política imperialista, egoísta e agressiva utilizada pelos Estados Unidos há décadas e gera protestos mundiais. O ocaso das milhares de nações indígenas tanto da América do Norte, quanto do restante do continente, nos faz encarar o holocausto dos judeus, e tantos outros genocídios tão propagados pela história contemporânea, como “pequenos incidentes”, que ganharam grandes proporções de divulgação, tão somente por se tratar de atos cometidos contra “brancos”.

Repleto de passagens tocantes e marcantes, Enterrem Meu Coração na Curva do Rio é um dos mais perfeitos casamentos entre literatura e pesquisa histórica que já foi produzido. Há de se destacar o trecho em que o líder da nação Sioux, Nuvem Vermelha (quem proferiu a frase de introdução a este ensaio), é conduzido a capital federal, Washington, para uma conversa com o então presidente da república, Ulysses S. Grant, a quem chama de “Grande Pai Branco”, neste trecho, o autor consegue demosntrar de forma magistral o choque de culturas enfrentado pelo líder indígena, ao vislumbrar pela primeira vez a grandiosidade das contruções da “enorme aldeia” do homem branco e seus costumes estranhos.

Outro trecho marcante versa sobre as condições de vida dentro das reservas criadas para acondicionar os nativos, locais sem saneamento, onde proliferavam doenças de todas as espécies, sem terras cultiváveis, o que os deixava na dependência da escassa comida fornecida pelo homem-branco, não sendo raro a morte de diversos índios por inanição. Estas reservas funcionavam mais como campos de concentração, já que não restava aos nativos o arbítrio de permanecer ou não alí, e desta forma, os que dalí se evadiam, eram implacavemente caçados como prisioneiros fugitivos.

No ano de 1854, o presidente dos Estados Unidos fez uma proposta de compra de terras indígenas, oferecendo em troca a concessão de uma "reserva". A resposta do chefe Seatle tem sido considerada um dos mais belos e profundos pronunciamentos já feitos a respeito da defesa do meio ambiente.

(trechos da carta - texto de domínio público distribuído pela ONU para o programa de defesa do meio ambiente - publicação completa no site do Ministério Público de Pernambuco MPPE)

"O QUE OCORRER COM A TERRA,
RECAIRÁ SOBRE OS FILHOS DA TERRA.
HÁ UMA LIGAÇÃO EM TUDO"

Sabemos que o homem branco não compreende nossos costumes. Uma porção de terra, para ele, tem o mesmo significado que qualquer outra, pois é um forasteiro que vem a noite e extrai da terra aquilo que necessita. A terra não é sua irmã, mas sua inimiga, e quando ele a conquista, prossegue seu caminho. Deixa pra trás os túmulos de seus antepassados e não se incomoda. Rapta da terra aquilo que seria de seus filhos e não se importa. Trata sua mãe, a terra, e seu irmão, o céu, como coisas que possam ser compradas, saqueadas, vendidas como carneiros ou enfeites coloridos. Seu apetite devorará a terra, deixando somente um deserto.

Eu não sei, nossos costumes são diferentes dos seus. A visão de suas cidades fere os olhos do homem vermelho. Talvez seja porque o homem vermelho é um selvagem e não compreenda.

Vi um milhar de búfalos apodrecendo na planície, abandonados pelo homem branco que os alvejou de um trem ao passar. Eu sou um selvagem e não compreendo como é que o fumegante cavalo de ferro pode ser mais importante que o búfalo, que sacrificamos somente para permanecermos vivos.

Ensinem as suas crianças, o que ensinamos às nossas, que a terra é nossa mãe. Tudo que acontecer à terra, acontecerá aos filhos da terra. Se os homens cospem no solo, estão cuspindo em si mesmos. Há uma ligação em tudo.

A terra não pertence ao homem; o homem pertence à terra.

Onde está o arvoredo? Desapareceu.
Onde está a águia? Desapareceu.
É o final da vida e o início da sobrevivência.

Ramblin' Jack Elliott

2010-07-27T05:38:00.000-07:00

"- Não importa de onde você vem, mas para onde você vai."

Jack Elliott, sempre imaginou que seria um cowboy, mas nasceu e cresceu em um ambiente urbano, assim tratou de correr atrás de seu sonho, fugiu de casa aos 14 anos para participar de um rodeio.

E quando tentou se juntar a equipe de rodeio, perguntaram de onde ele era, e envergonhado por ser da "cidade" e ainda por cima de descendência judia (nada de anti-semitismo, por favor, mas alguém ai conhece algum judeu cowboy?), acabou por não responder, foi então que o lhe disseram:

"- Não importa de onde você vem, mas para onde você vai."

Assim, trabalhou cuidando da higiene de animais, à dois dólares por dia, e nesse meio tempo, começou a aprender a tocar guitarra.

No entanto, seu pai o encontrou, e o obrigou a voltar para Nova York, e encquanto termianva os estudos, se apresentava em clubes por Greenwich Village.

Tendo Woody Guthrie, como inspiração e professor, Jack decidiu a segui-lo para ver o que podia aprender com o velho trovador, e rapidamente se tornou um jovem protegido do Guthrie, e viajaram juntos nos 5 anos que se seguiram, Jack se empenhou ao máximo para aprender tudo o que podia.

Durante as viagens, conheceu escritores beatnicks como Allen Ginsburg, Jack Kerouac, Lawrence Ferlinghetti, e muitos outros grandes escritores.

Com um som crú de suas canções e a voz etílica, e composições praticamente compostas de blues rurais e tocado como se ainda estivéssemos em 1950, Elliot maturou o mesmo estilo por décadas, não permitiu qualquer atualização em sua música.

Old Shep

On his birthday back in 2007 at the Henry Miller Library

Música na Rua - New Orleans

2010-07-27T04:19:00.000-07:00

Essa música feita pelos artistas de New Orleans, realmente é muito boa! Impossível não se contagiar por esse som. Ótimo dia para vocês!

Street musicians on Rue Royal and in
front of Cafe du Monde on Jackson Square.

Grandpa Elliot
This street performer is absolutely incredible. And this is not even his best song, just the only one I got as he was singing across the street from Cafe du Monde in New Orleans. If you're ever there, stop for a few tunes and don't forget to give him a handsome tip. I later found out he goes by "Grandpa Elliot" and he's featured in playingforchange, which is another must-see.

Amazing New Orleans street jazz band, performing in a superb way. Enjoy, by the way, the dong is summertime, by gershwin

Bluesmaker

2010-07-24T05:22:00.000-07:00

A brincadeira é velha, mas ainda vale a pena para se divertir por alguns minutos no fim de semana. Construa seu blues “de raiz” lá no Blues Maker – você não precisa estudar o segredo do trítono por anos e nem mesmo fazer um pacto com o Diabo na encruzilhada para compor sua canção à beira do Mississipi.

O site vai te dando estrofes “chavão” de um típico blues de violão e gaita para você ir montando. Ao final, ele toca sua canção como se tivesse saído do bar mais esfumaçado da Louisiana. Vai lá e experimente ser o próximo Celso Blues Boy em poucos cliques.

Indicação encontrada no blog do Ock Tock!

Champion Jack Dupree

2010-07-23T08:10:00.000-07:00

Quando se trata de pianistas é realmente difícil comparar com outra cidade o número de talentos que Nova Orleans produziu. Durante a primeira parte do século 20, Tony Jackson e Jelly Roll Morton foram as estrelas locais de uma longa e distinta linhagem de pianistas seguidos depois por Kid Stormy Weather, Rock Sullivan, Tuts Washington, Professor Longhair, Bertrand Robert, James Booker entre outros. Talvez um dos maiores da cidade tenha sido o incomparável Champion Jack Dupree. Embora não tenha ficado grande parte de sua vida na cidade ele foi a personificação do blues de New Orleans e também um pianista de ‘boogie woogie’, um estilo de blues caracterizado pelo uso sincopado da mão esquerda ao piano. Champion Jack Dupree não era um músico ou cantor sofisticado, mas tinha um jeito irônico e inteligente com as palavras. Ele cantou sobre a vida, a prisão, sobre o vício da bebida e das drogas, embora ele próprio fosse um beberrão, mas não usasse outras drogas. Entre uma apresentação e outra Dupree foi também um contador de histórias e transformou muitas dessas histórias em canções. Em busca de uma alternativa que uma sociedade racista não lhe dava, Dupree deixou Nova Orleans, em primeiro lugar foi para as cidades do norte e depois para a Europa, apenas para voltar à sua cidade natal no crepúsculo de sua vida.

William Thomas Dupree era ainda uma criança quando seus pais foram mortos na casa onde moravam por um incêndio provocado pela Ku Klux Klan e foi enviado para o orfanato ‘New Orleans Home for Colored Waifs’, o mesmo orfanato para onde o jovem Louis Armstrong também tinha sido levado. Seu pai era do Congo Belga e sua mãe era descendente de africanos e cherokees. Ele deixou o orfanato aos 14 anos adotado por Olivia Gardner e rapidamente aprendeu os caminhos da rua e fã dos esportes foi introduzido no pugilismo em uma academia localizada na Rampart Street. Mas, foi mesmo no orfanato que Dupree conheceu o piano através de um padre italiano. Ele ampliou seus conhecimentos sob a tutela dos pianistas Tuts Washington e Willie Hall a quem chamava de pai e com quem aprendeu a canção ‘Junker's Blues’, um clássico que se tornou notório na interpretação de Jack Dupree. Tocando em bordéis e barrelhouses (bar ou salão) ele encontrou um outro jovem pianista, Roy Byrd, mais tarde conhecido como Professor Longhair, com quem fez um acordo para ensiná-lo a cantar em troca de aulas complementares sobre o piano.

As tensões raciais em New Orleans fizeram com que Dupree partisse para o norte estabelecendo-se em várias cidades diferentes ao longo dos anos: Detroit, Indianapolis e Chicago. Em Detroit, ele foi apresentado a Joe Louis, uma lenda do boxe que reacendeu em Dupree o seu interesse pelo esporte e o encaminhou para o ringue. Durante esse tempo como pugilista, Dupree ganhou o apelido de Champion Jack. Em 1940, ele voltou para o piano e rapidamente se tornou uma estrela da cena local de entretenimento como comediante e dançarino, assim como músico e atraiu a atenção do produtor de blues, Lester Melrose. Mas, em 1942, Dupree foi convocado para o serviço militar e foi enviado para o front do Pacífico, onde trabalhou como cozinheiro na Marinha. Ele acabou sendo capturado pelos japoneses, e passou dois anos como prisioneiro de guerra. Após a guerra, ele se mudou para New York, onde mais uma vez buscou a carreira como músico. Muito parecido com o guitarrista John Lee Hooker, Dupree não ligava muito para obrigações contratuais e gravou com uma série de apelidos diferentes. Em 1955, o hit ‘Walking the Blues’ em um dueto que fez com Teddy McRae ficou 11 semanas nas paradas.

Ainda assim, parecia que Dupree não conseguia escapar do preconceito e do racismo em qualquer lugar nos Estados Unidos. Finalmente no final de 1958, ele decidiu se mudar para a Europa e durante os 32 anos seguintes viveu em uma série de localidades: Suíça, França, Inglaterra, Dinamarca e Alemanha. Ele também gravou uma infinidade de álbuns maravilhosos durante este tempo para uma longa lista de rótulos europeus. Entre eles o que é considerado por muitos como sua obra-prima, ‘Blues From The Gutter’, um álbum de histórias de prostituição e uso de drogas e que incluiu vários clássicos. Em 1990, Champion Jack Dupree voltou para os Estados Unidos e sua cidade natal para o famoso ‘New Orleans Jazz and Heritage Festival’, foi sua primeira visita à cidade desde 1954 e ele era simplesmente a sensação do evento. Ele concordou em ficar o tempo suficiente para gravar o aclamado álbum ‘Back Home In New Orleans’, produzido por Ron Levy. A gravação mostrou a um público americano que, mesmo na idade de 79 anos, Dupree ainda tinha a voz poderosa e um talento impressionante no piano barrelhouse - uma forma antiga de jazz improvisado no piano e com ritmo acentuado - e que muitos haviam esquecido ao longo dos anos. Champion Jack Dupree voltou para sua casa em Hanover, na Alemanha, onde morreu de complicações de câncer em 1992. Foi homenageado postumamente pela ‘Blues Foundation’, entrando para o ‘Hall of Fame’, juntamente com o álbum ‘Blues From The Gutter’ que foi selecionado como ‘Classic of Blues’. Dupree era um homem amoroso, divertido, irônico e envolvente músico apesar dos temas de suas canções e era conhecido por levantar e dançar ao mesmo tempo em que tocava o seu piano. Ele encontrou o sucesso em uma infinidade de profissões ao longo da sua vida: músico, boxer, cozinheiro e no final, até mesmo como pintor.

Rub A Little Boogie

Aint That A Shame

Shakin' Mother For You

Texto do Pintando Música

Podcast sobre Neil Jordan

2010-07-23T05:03:00.000-07:00

Papo bacana (onde tive uma breve participação) sobre os segredos da mente bipolar de Neil Jordan. Afinal, não é todo dia que encontramos alguém que vê o mundo em extremos: ora há obras cinematográficas inigualáveis, ora filmes que nem mereciam ser citados. Escutem e saboreiem a diversidade desse diretor.

Participantes: Angélica Hellish, Marcos Noriega, Polliana (Trindade Ovulante), Shana Shanshada (CineShanshada e Ay gente)

Clique na imagem para acessar o blog do podcast!

Woody Guthrie

2010-07-23T04:35:00.000-07:00

"Tudo que você pode escrever é aquilo que você vê"

Woody Guthrie, é sem qualquer sombra de dúvida, um dos personagens fundamentais para o folk americano. Tendo vivido de perto as suas canções, ainda jovem aprendeu blues com um gaitista chamado George, no entanto anos mais tarde, Guthrie desmentiu essa história dizendo que aprendera a tocar gaita ainda criança, com uma amigo. Seja qual for a verdade, ele tinha afinidade para música e aprendeu a tocar 'de ouvido', assim esse rapidamente tornou-se seu sustento, pois além de fazer alguns 'bicos' pela cidade ele ainda tocava em troca de sanduíches e dinheiro. Assim, aprendeu além do blues, bastante coisa ligada ao folclore irlandês, além de ser leitor ávido.

Toda essa mistura, somada as tragédias familiares, formaram o background 'ideal' para ele, que passou a vagar pelo país, junto com andarilhos, sempre presente em manifestações contra a pobreza e miséria, onde acabou criando as melhores e mais fortes composições de seu repertório. Ativo no movimento pró sindicatos, suas canções falam sobre o homem comum e seu esforço e amor pela terra. Na década de 40, junto a Pete Seeger e alguns outros, ele fundou em Nova York a Almanac House, um apartamento que funcionava como cooperativa para músicos folk de passagem pela cidade, transformando-se no ponto de partida para o movimento folk.

Nas praças da cidade, Na sombra de um campanário;
No intervalo do escritório, eu vi o meu povo.
Tinham fome, e eu estava lá perguntando,
Esta terra é feita para você e para mim?

Quando andava, eu vi uma placa,
E na placa, Dizia "não invadir".
Mas no outro lado, ela não dizia nada!
Esse lado foi feito pra você e para mim.

Durante os anos 60, as letras foram redescobertas por Nora Guthrie e foram transformadas em músicas por grupos de música folk. Desde sua morte, artistas prestaram tributos a Guthrie, fazendo versões covers de suas músicas ou dedicando músicas a ele.

Acabou morrendo em 1967, aos 55 anos, vítima de uma rara doença degenerativa, uma desordem neurológica chamada Doença de Huntington - DH.

woody guthrie /this land is your land
July 14, 1912: Woody Guthrie was born.
1933: Woody Guthrie releases 'The Science of Sound.'

More Than Words

2010-07-21T10:34:00.000-07:00

Tá eu sei, é muito "melosa"! Mas é uma música única, confesso que fiquei perplexo a primeira vez que ouvi, na época em um programa de TV, como trilha sonora não lembro do que! Fiquei curioso, queria saber o nome da música, quem é que cantava... e naqueles tempo onde Internet pra mim era apenas uma palavra que eu ouvia na TV, não teria como eu saber, e perguntar pra alguém apenas cantarolando a melodia era vergonhoso. No entanto, um belo dia fuçando em um site onde dava pra ouvir músicas em MIDI, após ir de categoria em categoria, e música por música, achei!

Music video by Extreme performing More Than Words

Filmografia Rock

2010-07-21T04:12:00.000-07:00

Achei essa fantástica lista no Araponga Rock Motor, com filmes que mostram a tragetória de alguns artistas e bandas, e que de certa forma nos mostra mais sobre os bastidores da história do Rock.

Alguns eu já consegui assistir, mas sua maioria ainda não vi.

No entanto, há um filme que não consegui encontrar aqui na lista, (pode ser que eu já esteja cego e realemente não tenha visto), ele se chama The Boat That Rocked, ou Piratas do Rock, como veio a ser lançado aqui no Brasil.

O filme se inspira em casos reais, onde em plena época do Beatles, Pink Floyd, Stones, Dusty Springfield, Hollies, Donovan, The Who, The Kinks, a rádio BBC passava apenas 4 horas diárias de Rock em sua programação, forçando assim o aparecimento de rádios piratas que transmitiam 24 horas por dia atingindo 25 milhões de ouvintes. Faziam isso dentro de navios, nos limites do Mar do Norte.

Além da excelente trilha sonora pra ninguém botar defeito, confere a lista aí:

Cd 01
01. Duffy - Stay with me baby
02. Kinks - All day and all of the night
03. Turtles - Elenore
04. John Fred & His Playboy Band - Judy in disguise
05. Martha Reeves & the Vandelas - Dancing in the Street
06. Beach Boys - Wouldn´t it be nice
07. Smokey Robison & the Miracles - Ooo baby baby
08. Herb Alpert & the Tijuana Brass - This Guy´s in love with you
09. Tommy James & the Shondells - Crimson and Clover
10. Jeff Beck - Hi ho silver lining
11. The Who - I can see for miles
12. Troggs - With a girl like you
13. The Box Tops - The letter
14. Hollies - I´m alive
15. Chris Andrews - Yesterday Man
16. Paul Jones - I´ve been a bad bad boy
17. Tremeloes - Silence is golden
18. Skeeter Davis - The end of the world

Cd 02
01. Easybeats - Friday on my mind
02. The Who - My Generation
03. Cream - I feel free
04. Jimi Hendrix - The wind cries mary
05. Procol Harum - A white shade of pale
06. Otis Redding - These arms of mine
07. Jr. Walker e the All Stars - Cleo´s mood
08. Supremes - The Happening
09. Turtles - She´d rather be with me
10. Bystanders - 98.6
11. Kinks - Sunny Afternoon
12. Cat Steves - Father and Son
13. The Moody Blues - Nights in White Satin
14. Dusty Springfield - You don´t have to say you leve
15. Lorraine Ellison - Stay with me (Baby)
16. The McCoys - Hang on sloopy
17. Isley Brothers - This old heart of mine
18. David Bowie - Let´s Dance
19. The Fortunes - Caroline

Afinal o que é Rock n, Roll?

2010-07-14T09:01:00.000-07:00

Achei aqui no ótimo e altamente recomendado: durango

Chuck Berry - School Days 1986

2010-07-13T07:32:00.000-07:00

Keith Richards invited a roster of great musicians

to honor Chuck Berry for an evening of music to commemorate
Berry's 60th birthday. Taken from the Hail! Hail!
Rock 'n' Roll movie.

25 anos do Live Aid

2010-07-13T07:28:00.001-07:00

13 de julho - Dia Internacional do Rock! Mas porque 13 de julho? Foi no dia 13 de julho de 1985 que um cara chamado Bob Geldof, vocalista do Boomtown Rats, organizou aquele que foi sem dúvida o maior show de rock da Terra, o Live Aid - a mais perfeita combinação de artistas lendários da história da pop music e do rock mundial.

O Live Aid ocorreu simultaneamente em dois lugares, em Londres, Inglaterra e Pensilvânia, Estados Unidos. O evento contou com dezenas de artistas em cada um dos países, entre eles nomes de peso como Status Quo, U2, Dire Straits, Queen, David Bowie, The Who, Joan Baez, Black Sabbath, Crosby, Stills & Nash, Judas Priest, Beach Boys, Tom Petty, George Thorogood, Neil Young, Eric Clapton, Led Zeppelin, Bob Dylan, como Paul McCartney, The Who, Elton John, Boomtown Rats, Adam Ant, Ultravox, Elvis Costello, Black Sabbath, Run DMC, Sting, Brian Adams, The Pretenders, Santana, Madona, Duran Duran, Lionel Ritchie, Rolling Stones, The Cars, The Four Tops, Beach Boys, entre outros, alcançando uma audiência pela TV de cerca de 2 bilhões de telespectadores em todo o planeta, em cerca de 140 países.

Concebido para dar continuação ao bem-sucedido projeto "Do They Know It's Christmas?", gravado por uma junção de músicos britânicos e irlandeses sob o nome "Band Aid".

O promotor de eventos musicais H. Goldsmith foi uma peça fundamental para tornar possível o projeto, de forma que foi crescendo e ganhando visibilidade a medida que mais artistas, ingleses e norte-americanos, concordavam em participar.

As apresentações de muitos artistas aconteceram simultaneamente no Wembley e no JFK, Há vários discos e vídeos não autorizados com os concertos do Live Aid têm circulado livremente, afinal O evento nunca foi planejado para ser lançado comercialmente, no entanto em novembro de 2004 foi lançado pela Warner um DVD quádruplo do concerto.

No entanto, o concerto foi a transmitido pela TV, via satélite, algo ambiciosa demais para a época. Na Europa, foi transmitido pela BBC, e outros canais da Europa retransmitiram o evento a partir desse sinal. Nos EUA a ABC e a MTV transmitirão, mesmo que a ABC exibisse somente as três últimas horas, e ainda inserindo comerciais entre os shows, cortando as sequências do concerto.

O Queen abriu seu show com "Bohemian Rapsody" sob intensa ovação, e os maneirismos do vocalista Freddie Mercury levaram toda a platéia no Wembley a bater palmas em uníssono durante "Radio Ga Ga" e a cantar junto, verso por verso, "We Will Rock You" e "We Are The Champions".

Outro momento que chamou a atenção do público foi quando David Bowie apresentou a canção "Heroes" e a dedicou a seu filho, e também "a todos os nosso filhos, e aos filhos do mundo".

A perfomance do U2 estabilizou a banda como um dos grupos ao vivo de mais destaque de sua geração - algo que mais tarde os transformaria em superastros.

Os organizadores do concerto disseram posteriormente que estavam particulamerte preocupados em garantir a participação de pelo menos um dos Beatles, preferencialmente Paul McCartney, pois sua importância no cenário musical daria ao movimento uma certa legitimidade aos olhos dos líderes políticos cujas opiniões eles estavam tentando moldar. McCartney concordou em se apresentou e disse que foi seus filhos que o convenceram a tomar parte.

Phil Collins se apresentou tanto no Wembley quanto no JFK, utilizando um avião para viajar de Londres à Filadélfia. Além de seu próprio set ele também se apresentou como baterista de Eric Clapton e do Led Zeppelin no JFK.

Quando a corda da guitarra de Bob Dylan se partiu, Ron Wood tirou sua própria guitarra e a ofereceu a Dylan. Wood ficou parado no palco sem instrumento, e depois de animar a platéia começou a tocar "air guitar", inclusive imitando Pete Townshend ao girar seu braço em círculos, até que um assistente de palco lhe trouxe uma outra guitarra. Embora este momento não tenha sido incluído no DVD, a apresentação foi, com imagens que mostram apenas Keith Richards.

O show em JFK apresentou reuniões dos integrantes do Crosby, Stills, Nash & Young e também do Led Zeppelin. Teddy Pendergrass fez sua primeira aparição pública depois de um acidente automobilístico que o deixou paralítico. Pendergrass, juntamente com Ashford & Simpson, tocou "Reach Out And Touch".

Durante os concertos os telespectadores eram chamados a contribuir com a causa do Live Aid. Trezentas linhas telefônicas foram disponibilizadas pela BBC para permitir que doações fossem feitas por cartão de crédito. O número de telefone e o endereço para o envio de cheques eram repetidos a cada vinte minutos.

Quase sete horas depois do início do concerto em Londres, Bob Geldof foi informado de que o montante recebido não passava de 1,2 milhão de libras. Geldof ficou desapontado, e se dirigiu à cabine de transmissão da BBC. Aparecendo depois de uma performance do Queen que ele definiu mais tarde como "absolutamente fantástica", Geldof deu uma entrevista que se tornaria célebre. Erroneamente creditado posteriormente por ter dito "Apenas nos dê o dinheiro, porra", Geldof na verdade declarou, "Pessoas estão morrendo NESTE MOMENTO. Nos dê o dinheiro AGORA. Me dê o dinheiro agora". O apresentador da BBC, David Hepworth, tentou então divulgar um endereço para onde as doações poderiam ser enviadas. Geldof o interrompeu, gritando "Foda-se o endereço, dê só o telefone, aqui está o número…". Depois de sua aparição, as doações aumentaram para 300 libras por segundo.

No final da tarde, após o set de David Bowie, um vídeo produzido pela CBC foi exibido às platéias em Londres e Filadélfia, assim como nas TVs ao redor do mundo, mostrando crianças etíopes famintas e doentes, com a canção "Drive" do The Cars ao fundo. Após a exibição a proporção de doações foi a mais alta obtida pelo evento. Ironicamente, Geldof se recusara a exibir o vídeo devido à limitações de tempo, e só concordou quando Bowie se ofereceu para encurtar sua apresentação.

Como Geldof mencionou durante o concerto, a República da Irlanda foi a maior doadora per capita, apesar de estar passando por uma grave crise econômica na época. A maior doação individual foi feita pela família real de Dubai. Eles doaram 1 milhão de libras numa conversa telefônica com Bob Geldof.

No dia seguinte os jornais noticiaram que o montante arrecado estava entre 40 e 50 milhões de libras. Atualmente estima-se que esse número tenha chegado a 150 milhões (aproximadamente 283,6 milhões de dólares), como resultado direto dos concertos.

Ao contrário do festival Woodstock (tanto o 1 como o 2), o Live Aid conseguiu tocar não somente os bolsos e as mentes das pessoas, mas também os corações.

fontes: Wikipedia, Portal do Rock e Rádio KISS FM

2010-07-09T10:21:00.000-07:00

Um disco urbano, que converte as nuances, as cores e as oscilações das metrópoles em ondas sonoras. Essa é a pegada de Na Cidade, álbum que mantém a identidade musical do grupo, marcada pela heterogeneidade, mas difere-se bastante do trabalho anterior.

Se Um Olho no fósforo, outro na fagulha (2008) tem um pé no campo, com muito de folk- rock e country- rock, Na cidade é um disco urbano e dançante. A preocupação com o ritmo permeia cada uma das 13 faixas. "Se as pessoas presentes na gravação reagissem naturalmente, se embalando com a música, sabíamos que estávamos no caminho certo", comenta o guitarrista Daniel Mossmann.

A sonoridade heterogênea da Pata pode ser percebida nas variações de dinâmica e de intenção em cada música. O embalo dançante é acentuado em “Diga-me com quem andas e te direi se eu vou junto”, “Psicopata” e “Grande Noite”, há o samba-rock "Vazio na cerveja" e influência da música latina nas faixas "Pesadelo no Bambus" e "À luz de velas". “Sai da Frente” é explosiva, enquanto que “Um pouco antes de dormir” é uma balada. Já "De volta pela manhã" celebra a diversidade trazendo a assinatura do trio, que pela primeira vez compõe em parceria.

Mais uma vez, a banda contou com o tecladista Luciano Leaãs (Fernando Noronha & Black Soul, Acústicos e Valvulados e Locomotores) que tocou órgão Hammond, piano, cravo e Clavinet. Músicos convidados e instrumentos como sax, trombone, percussão, piano Rhodes e vibrafone enriquecem o ambiente sonoro da obra.

Na cidade foi produzido por Júlio Porto (ex-guitarrista da Ultramen). A mixagem foi responsabilidade de Beto Machado. O trabalho foi gravado nos Estúdios Trama e a masterização foi feita em Abbey Road por Steve Rooke, que remasterizou discos da carreira solo de John Lenonn (Mind Games, Imagine, Plastic Ono Band, entre outros) e Paul McCartney (Run Devil Run, entre outros); além de integrar a equipe que remasterizou toda a obra do quarteto de Liverpool, lançada em setembro de 2009.

Texto direto da página de divulgação do site TRAMA. Onde você pode ouvir e ainda baixar sem pagar nada! Isso mesmo, e não é ilegal, pois a banda disponibilizou dessa forma para os fãs! Aproveitem.

Odetta Holmes

2010-07-09T07:48:00.000-07:00

Blowing In The Wind - Odetta Holmes

Muitas vezes me sinto solitário nesse meu esforço pessoal de descobrir bons músicos e cantores, fico imaginando que devo ser uma das poucas pessoas que se interessa por esse tipo de descoberta, e não posso compartilhar com ninguém, afinal ninguém mais se interessa.

Outra cantora que acabo de descobrir nessa minha jornada é Odetta Holmes, com uma voz poderosa, ela cantou e lutou por direitos civis nos EUA, e infelizmente, veio a falecer em 2008, aos 77 anos, em decorrência de um ataque cardiáco, talvez por ver o primeiro negro chegar ao cargo de presidente em seu país!

Ela, assim como muitas cantoras de relevância, teve a "estréia", por assim dizer, no Newport Folk Festival (Passo a acreditar que queria muito estar presente em um desses festivais!)

Exerceu influência na formação de grandes artistas, como Bob Dylan, Joan Baez, Janis Joplin, Harry Belafonte ou o trio Peter, Paul & Mary. Com acompanhamento básico de guitarra, Odetta deu vida a canções que falavam de escravos, camponeses, trabalhadores, donas de casa, brancos e negros.

Odetta Live in concert 2005, "House of the Rising Sun"
We were lucky enough to record Odetta on one of her
most energetic and powerful nights in a long time.

Odetta became a force of the folk music revival in the 1950s.
In the 1960s her renditions of spirituals and blues became
part of the soundtrack of the civil rights movement.

Atroveran - Músicas para aliviar a TPM

2010-07-08T09:23:00.000-07:00

Preciso deixar aqui postado, encontrei ao acaso o blog, e tem muitas indicações boas, pra vocês que buscam vozes femininas, que além de cantar encantam (Perdoem por favor a frase clichê!).

Nas palavras as próprias autoras, Kamilla e Luma, o blog surgiu a partir de uma percepção delas de toda a dificuldade e os vários vírus que encontra-se ao longo desse árduo caminho de busca por música bacana. Decidiram então facilitar a vida dos fãs de vozes femininas. Reunindo nesse espaço cantoras de variados gêneros (nada exageradamente eclético pois pessoas muito ecléticas realmente nos assustam)

Mas acredito mesmo que dispensam apresentações, por favor visite:

Joan Baez

2010-07-08T08:48:00.000-07:00

Mais uma semana corrida aqui e ufa! Consegui um tempo pra correr atrás de algo novo (pelo menos pra mim!) Não me recordo como, mas topei com esse nome Joan Baez, e logo em seguida vinha uma alcunha de cantora folk, isso logo me interessou... fui buscar mais informações e principalmente canções dela.

Logo de início topei com Forever Young, nome que pode parecer um tanto batido pois é repetido em títulos de filmes e músicas. Rejeitando o pré-conceito deixei rolar o vídeo, acredito que não era o clipe da música, mas sim uma coletânea de fotos de crianças feitas por um pai (ou mãe) muito caprichoso e de extremo bom gosto.

Bom, Joan Baez iniciou sua carreira ainda aos 18 anos, no Newport Folk Festival em 1959. Tem um talento magnífico no violão, Joan Baez, é uma cantora americana de folk, e suas fortes opinões políticas ficam evidentes em suas letras, marcadas sempre por uma voz expetácular!

Participou de Woodstock, e esteve amplamente envolvida no movimento contra a guerra do Vietnã.

Pelo menos pra mim, grande apreciador de Bob Dylan que sou, de início me recordo um pouco dele, mas acredito que a medida que for degustando esse som delicioso dela, passarei a apreciá-la da mesma maneira.

Joan Baez performs The Carter Family's "I Will Never Marry."
American Masters' Joan Baez: How Sweet the Sound airs
Wednesday, October 14, 2009 at 9pm (ET) on PBS.

Agradeço ainda ao pessoal do Atroveran, pois ali encontrei Joan Baez.

The Name

2010-06-30T09:29:00.000-07:00

O The Name é um trio de Sorocaba (interior de São Paulo). Geralmente, o que vem a seguir, são as palavras: pós-punk, manchester braileira, dance-punk, música para festa, A Certain Ratio, pianos de house clássica, Dj Kurc e coisas do tipo. Quem sabe porque a mistura das palavras mencionais, seja o que torna o The Name a mais incrível banda brasileira da atualidade. Recém chegados do norte há algumas semanas, onde os destinos principais foram o South By Southwest e o Canadian Music Week, o grupo já prepara coisas novas ainda para este primeiro semestre.

Até lá... excursionando o Brasil (acabaram de completar uma incrível tour pelo sul/sudeste brasileiro) e em breve na estrada denovo com um roteiro ainda maior, enquanto gravam seu próximo single (outra guinada no som da banda) ou fazendo os vistos chegarem a tempo, a palavra é "dançar". Se você precisa fazer uma festa começar, é só colocar “You Want It Back Now”, “Can You Dance Boy” ou “Come Out Tonite”... que os resultados serão garantidos.

Abaixo você encontra algumas músicas que a banda disponibilizou pra downloads, bem como os links pros sites da banda.

MySpace

Trama

Site Oficial

Steve Cristo - Música é atemporal!

2010-06-30T05:11:00.000-07:00

Steven Cristo tem entretido o blues/rock arena por 3 décadas.

Exposto a uma variedade de músicas, desde pequeno, não tardou a tocar e escrever para várias bandas da área de Boston em 1980.

Steve começou a escrever e co-produção para muitos profissionais da indústria ao redor de Nova Inglaterra. Enquanto eventos tocando Blues e pequenos clubes com sua banda "Cristo and Company".

Steven também dividiu o palco com vários grandes artistas de Blues e rock em toda a nação.

Ele se destaca por suas habilidades e performances. Lançou seu primeiro álbum solo em 1993.

Depois de uma turnê e gravar em 1997 ele lançou seu segundo álbum, "Cristo and Company".

Então se juntou com outros amigos para produzir o álbum "Suspects as Usual" que foi a base para o projeto, (incluindo a lenda Drum Herby Lewis e o homem Harp Bobcat Boucher), e mais tarde uma turnê na Ásia "The Longest Road" Nas Filipinas, que em Manila chegou a receber o hype de mídia, graças a Marian Garcia, Ray Lajoie, e representantes do Alpha Records/PI.

Após mais uma excursão à Tailândia Steve comprou um pequeno conjunto de gravação em Central Florida onde escreve e produz hoje.

Em sua banda original, "The Stumble B's" Steve toca guitarra e canta junto com Harvey Myers, entre outros artistas populares da florida.

A formação mais recente, conta com Austin Vickrey no sax, Tom Gaskins nos teclados, Harvey Myers nos vocais, Gary Zammito no órgão, Rodjers Richard na bateria.

Música é atemporal!!

MySpace ::: Reverbnation

The Bluz

2010-06-28T04:49:00.000-07:00

The Bluz é uma excelente banda de blues de Pernambuco e que está em atividade a mais de 10 anos. Eles já se apresentaram em grandes festivais pelo Brasil, como Guaramiranga Jazz 'n' Blues, Blues Latino no SESC Pompéia, Garanhuns Jazz e Macuca Jazz.

Este é o primeiro cd oficial da banda e está sendo lançado pelo selo Ipojuke Records. O disco conta com as participações ilustres de Lancaster, Jefferson Gonçalves e Marcelo Naves. Minhas faixas favoritas são "The World is Like a Guetto", que abre o cd, "Apocalipticamente um Blues", um slow blues cantando em português que meu agradou por completo (confesso que sou um tanto preconceituoso com blues cantados em português), "No Morro do Bom Jesus", que tem um belo violão slide (fiquei o dia todo cantando o refrão na primeira vez que ouvi), a instrumental "God Bless Lancaster" que tem solos incríveis de guitarra e "Love Goes on Paths of Life", outro slow blues intenso.

Apesar de escolher somente algumas faixas, esse é o tipo de disco pra se ouvir de ponta a ponta. Blues de qualidade, muito bem tocado e que passa longe de qualquer clichê. E comprova que o blues está esparramado por todo território nacional.

Clique na foto abaixo para fazer o download das músicas que a bana disponibilizou na rede:

Para saber mais a respeito da banda:
MySpace - The Bluz

Brindes

2010-06-27T06:48:00.000-07:00

Working Class Hero - John Lennon

Johnny Cash - San Quentin (Live from Prison)

Michael Arce Trio - Show “Gaita brasileira”

2010-06-27T06:32:00.000-07:00

Michael Arce Trio - Show “Gaita brasileira”

O Brasil e toda a sua diversidade de ritmos: bossa, choro, samba, baião, pop, maracatu. Esta é a tônica do trabalho de Michael Arce. Além da gaita, seu instrumento solo, Michael toca acordeon e estréia como cantor. Em seu novo trabalho interpreta exclusivamente suas composições, temas instrumentais e canções que têm como inspiração o Brasil e o mundo. Nesta viagem musical que liga a cidade ao campo, o asfalto à estrada de terra, Rio de janeiro a várias cidades do mundo, o artista une a tradição à sofisticação da música brasileira através da harmônica.

No show Gaita Brasileira, o artista toca músicas do seu primeiro CD ,"Santa Teresa". Também estão no show músicas do próximo CD,“Dias em Londres.

Ao lado de Noah Moreno (violão) e Henrique Ludgero (bateria), o trabalho de Michael Arce ganha força e delicadeza: um trio singular.

O trabalho do artista rendeu o reconhecimento da crítica especializada e do meio acadêmico europeu:

"...Este CD é o resultado - uma coleção extraordinária de Jazz brasileiro tocado de forma bem relaxada e descontraída porém com uma força sutil e grande respeito pelas melodias muitas vezes de sentimentos místicos.” (Brian Harvey / www.euroclubdejazz.com)

"A sua performance foi de um nível extremamente alto, com o uso imaginativo da harmônica, capturando os corações e as mentes dos alunos."

(Jostine Loubser- Lecturer: Popular Music & Recording- University of Salford)

Serviço:

Centro Municipal de Referência da Música Carioca

Rua Conde de Bonfim , 824 - Tijuca

03 de julho (sábado)

19h

R$ 10,00 inteira e R$ 5,00 meia

Participe da promoção: “Eu quero ganhar 1 mês de aula de gaita!”

acessando: mundodagaita

Roberta Campos – Varrendo a Lua

2010-06-22T06:28:00.000-07:00

Música rima com mágica? Acho que não! Não sei direito quais são os critérios da língua portuguesa para falar o que rima e o que não rima, mal me lembro dos dodecassílabos e alexandrinos das aulas de literatura nem das análises sintáticas das de gramática, mas tenho quase certeza que, apesar de parecidas, essas duas palavras não rimam.

Mas é que, já misturando as matérias, graças aos céus música não é ciência exata. E é aí que surge uma figura pra subverter essa ordem. Uma certa ROBERTA CAMPOS, e sua incomum habilidade de insistir em fazer música rimar com mágica.

Instinto puro, ela escreve pra que sua vida fique mais leve, como se fosse aquele Michelangelo que aparava arestas dos blocos de mármore de carrara para tirar de lá os escravos que via. Um tirava cativos de dentro das pedras, outra arranca leveza do papel, palavra por palavra, nota por nota. Formão na mão de um, violão na de outra. Cada um fazendo mágica à sua maneira. Mas mágica!

A mágica da Roberta!

Mineirinha de Caetanópolis, comeu pelas beiradas fiel à sua raiz, escrevendo dia e noite, compondo compulsivamente, colocando pra fora ideias e melodias. De um mar de influências, Bon Iver, Joni Mitchel, Rufus Wainwright, Beirut, Damien Rice, Milton Nascimento, Beto Guedes, Lô Borges, Legião Urbana, Marisa Monte, Zélia Duncan, Beatles, fez surgir um estilo só seu. Mais de 200 (!!!) composições, sempre com uma coisa em comum: a simplicidade que só tem quem é paixão pura, sem enquadramentos fáceis, nem de mpbs, nem de folks, nem de clubes. Não queira restringir dentro de um título a música que essa menina tira de sua cartola (no caso dela, um fiel barrete). Chame de música só. Mas música!

Ora direis Varrer a Lua!

Destas tantas composições de ROBERTA, agora finalmente descoberta entre as esquinas e prédios da Paulista, muito se escutou, muito se trabalhou e do estúdio (Tambor, no Rio, durante o verão de 2010) saiu "Varrendo A Lua", quarenta minutos de pura sensibilidade musical, dez canções que ela mesma apresenta assim: "Cada música deste disco foi escolhida porque uma completa a outra, uma mensagem dividida em histórias, em momentos, mas um único amor". Nove composições próprias, incansavelmente garimpadas. Ao lado delas, uma pedra preciosa das minas, "Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor", de Lô Borges e Marcio Borges, que MILTON NASCIMENTO gravou no álbum Pietá, de 2003, e que facilmente poderia ser uma composição da ROBERTA, de tanto encaixe que há. De resto é tudo ela. Inspiração pura. Nas suas palavras: "Tudo me inspira, as coisas, as pessoas, os sentimentos, do mais simples ao mais complicado, do meu amor a um simples sorriso, o céu estrelado e mesmo a falta de estrelas". É, ela ouve as estrelas, ora!

O mundo inteiro, de janeiro a janeiro!

Ouvir ROBERTA CAMPOS é uma experiência multi-sensorial. Coloque pra tocar e deixe rolar. Sem a menor cerimônia, um quarteto de cordas invade sua sala; com o pé na porta, os teclados de Dadi e a guitarra havaiana de Christiaan Oyens preparam a chegada de uma voz que, timidez jogada no lixo, avisa "vou varrer a lua, varrendo sua solidão". E varre até não parar mais. "Mundo Inteiro" entra na cadência de um folk-reggae mineiro declarando um amor enorme de grande, esperando o tempo que for. "A Felicidade" escancara uma simplicidade apaixonante, verdadeira raiz da magia deste álbum. "Acabou" é um final sem fim, "Sinal de Fumaça" mostra uma produção atualizada com as idéias de Bon Iver e Florence And The Machine. Em "Aqui, Ali", a poesia ganha contornos geniais: "Vou chorar. Às vezes vou sorrir de amor. Ser assim, trazer o lado bom das cores. Vou somar os restos que você deixou. Melhorar, reparando minhas dores". E no meio das confissões de amor que ela faz em "De Janeiro A Janeiro", surge a inconfundível voz de NANDO REIS: "Olhe bem no fundo dos meus olhos e sinta a emoção que nascerá quando você me olhar. Te amarei de janeiro a janeiro até o mundo acabar". Na simplicidade de ROBERTA, "de repente o cara que cantava Marvin estava ali na minha frente, cantando a minha música". Ao que ele responde, olhos cheios d’água, para o produtor do álbum Rafael Ramos ao ouvir a gravação que acabara de fazer no estúdio: "Chegaram as águas de março".

E ROBERTA CAMPOS é exatamente assim, paixão simples, de quem assina seu nome com as formas de um violão. De quem canta o amor varrendo a lua, andando na rua. De quem aos quatro anos de idade descobriu e decidiu que sua vida seria isso, cantar, compor, emocionar. De quem é assim como você e eu, aqui e ali, tênis all-star surrado, calça jeans de outros carnavais, aquela camiseta hering que cabe como uma luva. Nos braços, o violão. Na cabeça, as notas e as rimas.

Porque é assim, simplesmente, que ela rima música com mágica! Rima sim!

Acesse a página dela no MySpace para ouvir as Canções!

Texto retirado do myspace da Roberta

Little Walter

2010-06-22T04:48:00.000-07:00

Ele é considerado um dos maiores gaitistas de blues de Chicago do pós-guerra. Sua ousadia e inovações instrumentais foram tão surpreendentes, e à frente de seu tempo que às vezes ostentava uma sensibilidade de jazz. Little Walter, que tocou o instrumento na banda do guitarrista e pioneiro do blues de Chicago, Muddy Waters, forjou um estilo de tocar gaita inteiramente original que influenciou praticamente todos os outros instrumentistas que vieram depois. Criou diferentes tipos de blues e seu estilo era tão revolucionário que às vezes parecia que estava soprando um saxofone. A combinação da gaita de Little Walter com a guitarra de Muddy Waters ajudou a transformar o blues de uma música rural para um som que refletia as novas condições urbanas da América negra. A ele é creditado como o responsável pela elaboração do vocabulário padrão para o blues moderno e o rock blues.

Marion Walter Jacobs cresceu na pobreza rural em uma fazenda em Alexandria e foi, pela maioria dos relatos, mais um talentoso e desordeiro que abandonou, aos 12 anos, sua casa rural em Louisiana para conquistar as luzes brilhantes de New Orleans. Walter viajou para o norte, aos 14 nos parou em Helena, Arkansas onde conheceu Rice Miller (Sonny Boy Williamson), que, juntamente com Walter Horton, deu-lhe indicações sobre a gaita. Seguiu para Memphis e St. Louis antes de chegar a Chicago em 1947 e com Honeyboy Edwards tocar guitarra nas ruas para manter-se vivo. Rapidamente se familiarizou com o blues local de estrelas como Tampa Red e Big Bill Broonzy e tornou-se parte do cenário da lendária Maxwell Street. Ele impressionou especialmente o guitarrista Jimmy Rogers que o apresentou a Muddy Waters. Gravou com o cantor Othum Brown para a minúscula etiqueta ‘Ora Nelle’. Em 1948 uniu forças com Jimmy Rogers e Muddy Waters, núcleo do que viria a ser a mais célebre banda de blues. Little Walter começou a gravar com Muddy em 1950, em primeiro lugar no rótulo ‘Parkway’, e depois na ‘Chess’ até seus últimos dias.

little walterLittle Walter se frustrava por ter sua gaita abafada pelas guitarras elétricas e começou a utilizar um método simples: em suas mãos em concha ele acomodava um pequeno microfone juntamente com sua gaita, e ligava o microfone em um amplificador de guitarra. Assim, ele poderia competir com o volume de qualquer guitarrista e foi seguido por outros gaitistas como Sonny Boy Williamson I e Snooky Pryor , que também começaram a utilizar a nova tecnologia. Com a música ‘Long Distance Call’, Little Walter se tornou o primeiro a gravar a gaita com amplificador e foi destaque em muitas das gravações de Muddy Waters, gravações que são hoje considerados clássicos do blues como ‘Louisiana Blues’ e ‘Honey Bee’, um registro raro em que tocou guitarra. Apesar do seu sucesso musical, Little Walter tinha graves problemas; propenso a beber, constantemente se envolvia em brigas. O único que conseguia controlá-lo, ao que parece, era Muddy Waters. Em 1952, gravou o instrumental ‘Juke’, com seu próprio nome e se tornou um enorme sucesso.

Outro grande sucesso foi ‘My Babe’ em 1955, composta por Willie Dixon. Ele deixou a banda de Waters para formar o seu próprio grupo, mas continuou a gravar com ele. A partir de então, gravou uma série de discos, mas tudo isso mudou quando o 'rock and roll’ surgiu e as vendas de discos caíram. No final dos anos 1950 tornou-se instável e imprevisível e o abuso de bebidas e drogas e seu temperamento ainda o atormentavam. Tragicamente, os anos 60 viram o gênio da gaita em um estado constante de alcoolismo e o seu rosto outrora bonito tornar-se um roteiro de cicatrizes. Em 1964, ele visitou a Inglaterra com os ‘Rolling Stones’, mas as suas habilidades prodigiosas de outrora foram vacilantes. Fotos tiradas da época mostram um homem abatido e o vício o levou à destruição violenta em 1968. Envolvido em uma briga de rua morreu devido aos ferimentos. Ele tinha apenas 37 anos. Little Walter exerceu uma poderosa influência sobre o rock e ecoou nas gravações de blues de grupos britânicos como ‘Cream’ e ‘Paul Butterfield Blues Band’. E sua influência continua. Não existe na face da Terra, um gaitista de blues que não adore Little Walter.

Little Walter (harmonica, vocal):

1952, Chicago, Juke; Can't Hold Out Much Longer.
1952 October, Chicago Blue Midnight (Alternate take).
1953, Chicago, Crazy Legs.
1954, Chicago, Quarter To Twelve; Lights Out.
1954, Chicago, Rocker.
1954, Chicago, I Got To Find My Baby.
1954, Chicago, Mellow Down Easy.
1955, Chicago, Hate To See You Go.
1955, Chicago, I Got To Go.
1956, Chicago, It Ain't Right; One More Chance With You.
1957, Chicago, Temperature.
1958, Chicago, The Toddle.
1958, Chicago, Confessin' The Blues.
1958, Chicago, Rock Bottom.
1958, Chicago, Crazy Mixed Up World.
1959, Chicago, Mean Old Frisco.

Texto postado no Pintando Música

Widespread Panic

2010-06-09T19:16:00.000-07:00

Vocês precisam assistir isso! É deveras muito bom!

Widespread Panic performs "Love Tractor" at the 2008 Rothbury Music Festival.

From the DVD 'Earth To Atlanta' - 2006

Widespread Panic é uma banda Americana de rock. Sua formação atual inclui o cantor e guitarrista John Bell, o baixista Dave Schools, Todd Nance o baterista, Sunny na percurssão, o tecladista John JoJo "Hermann" e o guitarrista Jimmy Herring.

Estão na elite das jam bands americanas seguindo os passos de outras bandas de southern rock como The Allman Brothers e com influências de southern rock, blues-rock, rock progressivo, funk e gêneros hard rock. São frequentemente comparados a outros nomes como o Grateful Dead e Phish. Amplamente reconhecidos por suas performances ao vivo e desde 2008 detêm o recorde de número de espectáculos esgotados na Red Rocks Amphitheatre em Morrison, CO.

Dica do rock4all

FUSILE

2010-06-04T13:00:00.000-07:00

Uma proposta diferente, um som bacana... os caras diponibilizaram as músicas, vale a penas conferir o som desses caras de BH.

fusile.com.br :: myspace

Brian Wilson's Black Cab Session

2010-06-04T08:37:00.000-07:00

De fato um vídeo muito divertido!

Uma música, uma tomada e um táxi. É assim o The Black Cab Sessions. Várias bandas famosas (ou não) entram no táxi preto e cantam uma música.

Seasick Steve

2010-06-01T03:21:00.000-07:00

Resgatado das ruas para o estrelato Seasick Steve tem encantado uma ampla legião de seguidores que gostam de seu blues cru e apaixonado e de sua guitarra personalizada. Sobre a incrível vida de Seasick Steve e sua carreira de desenvolvimento tardio muito tem sido escrito recentemente. Os fatos, na medida em que ele se lembra deles, são os seguintes: Steven Gene Wold nasceu no ano de 1941, em Oakland, em San Francisco no período do pós-guerra, quando os brancos começaram a prestar atenção à música da América negra. Seu pai tocava piano boogie-woogie em uma banda local, raro para um homem branco. Steve tentou o piano, mas seus dedos não eram longos o suficiente para chegar a algum lugar como pianista. Em vez disso, aos 7 anos, ele se apaixonou por uma guitarra que conheceu em um acampamento de verão. No momento que a viu, sabia que ia tocar guitarra para sempre. Com KC Douglas, cantor e guitarrista de blues que trabalhou para o seu avô, teve aulas de guitarra enquanto ouvia as histórias do Delta do Mississippi. Após seus pais se separarem, Steve passou a viver com sua mãe. Para evitar abusos nas mãos de seu violento padrasto, aos 13 anos, fugiu de casa. Passou o resto de sua adolescência trabalhando em fazendas ou em parques de diversões, lugares onde não exigiam documentos.

Viajando longas distâncias saltando de caminhão em caminhão por toda a América, sempre com seu violão, Seasick Steve estava apenas tentando sobreviver, e essa era a única maneira na época. Foi preso como vagabundo e passou algum tempo em um centro de detenção juvenil. Sobre essa experiência disse certa vez: 'hobos' são pessoas que se deslocam à procura de trabalho, mendigos se deslocam, mas não olham para o trabalho e vagabundos não se movem e nem trabalham. Eu fui todos os três. Aos 16 anos, tocava nas ruas ao descobrir que não queria viver sob as pontes, mas o problema era que a música que tocava estava rapidamente saindo da moda. Na década de 60 começou a tocar em clubes na costa oeste apoiado por Son House, cantor e guitarrista de blues, e tinha amigos na cena musical, incluindo Janis Joplin e Joni Mitchell, mas o blues começava a ser um assunto morto nos Estados Unidos, antigos cantores do Mississippi estavam de volta, trabalhando nas estações de trem. Era o rock’n’roll chegando. Quando ouviu bandas como ‘The Steve Miller Band Blues’, ou ‘Santana Blues Band’, ou ‘The Paul Butterfield Blues Band’, ele realmente gostou delas, mas aquilo não era o blues que ele cresceu ouvindo em Memphis, Mississippi e Tennessee.

Na década de 70, Steve já casado, se sustentava e a esposa e seus dois filhos trabalhando em empregos braçais que podia encontrar. Partiu para a Europa, em 1972, tocou no metrô de Paris. Foi contratado como engenheiro de estúdio e tocou guitarra em bandas. Na década de 80, quando retornou aos Estados Unidos com uma garçonete norueguesa que ele conheceu em um bar em Oslo, durante uma de suas passagens com uma banda em turnê, ela queria viver em um lugar que parecesse com a Noruega e assim, escolheram uma cidade ao norte do estado de Washington. Foi depois que ele montou o seu estúdio em Olympia, uma cidade próxima ao sul de Seattle, que a carreira musical de Steve começou a engrenar. Descobriu que o punk grunge estava decolando e em seu estúdio gravou com várias bandas como ‘Modest Mouse’ e ‘Bikini Kill’. Conheceu ‘Nirvana’ tocando em um bar e Kurt Cobain tornou-se um amigo e que na opinião de Steve não merecia estar com a feia e desagradável Courtney Love que já tinha agredido sua amiga Cathleen Hannah do ‘Bikini Kill’.

Sua carreira de blues foi reativada em 1996 quando apoiou RL Burnside, cantor, compositor e guitarrista de blues, ao se apresentar em Seattle. Seasick Steve e sua guitarra enlouqueceram a platéia. Dez anos no úmido noroeste do Pacífico foi o suficiente para Elizabeth Wold, sua esposa norueguesa e em 2001, por insistência dela, Steve e seus três filhos (ele tinha mais dois com a primeira esposa) mudaram-se para Oslo. Foi em Oslo que Steve adquiriu seu apelido ‘Seasick’ depois de uma experiência de revirar o estômago em um cruzeiro para a Dinamarca. Em 2006, com 65 anos, seu primeiro álbum, ‘Dog House Music’ foi lançado pela gravadora independente Bronzerat e sacudiu a mídia. Em 2007, ele gravou um álbum com os músicos suecos, Jo Husmo no baixo e Kai Christoffersen na bateria. ‘Cheap by Seasick Steve and the Level Devils’ foi lançado no Reino Unido por dois DJs influentes, Charlie Gillett e Joe Resonance que incentivaram Seasick Steve a ir para Londres. Justamente quando parecia que as coisas estavam finalmente começando a acontecer para Seasick Steve, ele sofreu um ataque cardíaco em casa, em Oslo. Felizmente para ele, sua esposa era treinada como enfermeira. Steve sobreviveu e havia muitas pessoas esperando para ouví-lo na Grã-Bretanha. No circuito dos festivais europeus no verão de 2007, ele foi a sensação e eleito como a melhor revelação na ‘Mojo Awards’, cerimônia que teve início em 2004 pela ‘Mojo’, revista sobre música publicada mensalmente no Reino Unido. Em 2009, foi nomeado pela ‘Brit Award’ na categoria de melhor artista masculino internacional individual. Steve, que detesta o que ele chama de ‘a polícia do blues’ e considera qualquer elogio da comunidade purista como ‘o beijo da morte’ tem o prazer de acolher todos os jovens que vêm aos seus shows, e que nada sabem sobre Charley Patton ou Son House.

Por pintando musica

Blues - Uma Viagem Musical - TV Aberta

2010-05-31T12:14:00.000-07:00

Produção de Martin Scorsese que busca mostrar a essência do Blues e sua influência. Para compor a série, foram convidados sete diretores apaixonados por blues: Martin Scorsese, Charles Burnett, Clint Eastwood, Mike Figgis, Marc Levin, Richard Pearce e Wim Wenders.

* 05/6 - Se aquecendo no fogo do diabo (Charles Burnett)
* 12/6 - A estrada para Memphis (Richard Pearce)
* 19/6 - Vermelho, Branco e Blues (Mike Figgis)
* 26/6 - De volta para casa (Martin Scorsese)
* 03/7 - Padrinhos e afilhados (Marc Levin)
* 10/7 - Piano Blues (Clint Eastwood)

- TV Cultura, 23h30

A série é muito dificil de se encontrar pela internet, portanto recomendo que assistam na TV, esse primoroso trabalho!

Música por Música

2010-05-26T14:43:00.000-07:00

Brazilian harmonica player Michael Arce introducing his music project "Gaita na rua" (Harmonica on the street). Michael's intent with this Project is both to show the harmonica's possibilities by playing many diferent styles and to disseminate it everywhere. This video was recorded at Ipanema - Rio de janeiro.
michaelarce.net

O projeto "Gaita na rua" pretende divulgar e democratizar a gaita levando o show para todos, mostrando as possibilidades deste maravilhoso instrumento. Evento realizado por Michael Arce em Ipanema RJ. Conheça mais sobre o projeto gaitanarua

FARRAZINE 16

2010-05-26T09:45:00.000-07:00

Saiu a edição 16 do FARRAZINE! Já na capa fazendo uma citação a famosa capa dos Beatles atravessando o cruzamento em Abbey Road. Porém lá estão os personagens das tirinhas de Vitor Cafaggi, criador do Pequeno Parker, e o entrevistado desta edição, além de:

• Você quer fazer Quadrinhos?
• Sidooh - Samurais Guerreiros
• Batman - Terremoto
• Inteligência Coletiva
• Dança em Quadrinhos
• Triste, Triste
• O Pênis
• O Nascimento da Morte
• E Nós Tínhamos uma Música
• CPF
• Sexto Andar

Ah, e um guia so os Kana: Hiragana, você não sabe o que é? Mais um motivo para baixar essa fenomenal edição!

Além de tudo isso ainda tem uma HQ chamada Destrukto, que você não pode perder...

Clique aqui para acessar o blog do FARRAZINE e baixar sua edição!

Vídeo - aulas de gaita

2010-05-25T08:14:00.000-07:00

Figuras de tempo - Escala maior

Entrei em contato com Michel Arce, que tem um projeto muito bacana, e ele permitiu que eu compartilhasse aqui no blog as aulas de gaita que ele ministra, você vai encontrar dicas sobre a gaita diatônica e cromática, partituras, tablaturas, entrevistas, opiniões sobre este universo tão rico.

Sendo assim tire a gaita da gaveta, espanar a poeira e a preguiça e colocar a técnica em dia.
O exercício proposto é:

1)Figuras de tempo parte 1 - Com a ajuda de um metrônomo(70 bpm) tocar a escala de dó maior, primeira posição, com as figuras rítmicas semínima (um por tempo), colcheia (dois por tempo), colcheia pontuada (dois por tempo swingado), três por tempo (quialterá de três) e quatro por tempo (semicolcheia).

Exercício para todos os níveis. Faça aos poucos, se você só consegue fazer "um" e "dois por tempo" fique nisso por umas semanas e vá aumentando o grau de dificuldade conforme o seu domínio do instrumento for aumentando.

2) Figuras de tempo parte 2 - Depois de dominar o exercício anterior é hora de adicionar dificuldade. Agora o objetivo é tocar as figuras de forma aleatória, isto é, ter a capacidade de iniciar as figuras a partir de qualquer nota da escala, sem que para isso você tenha que voltar à nota Dó.

Fazendo este exercício você melhora seu domínio do instrumento, o que será de grande valia para a execução de solos escritos e para a improvisação de fato.

Coloque uma meta e provavelmente em 1 mês você poderá executar este exercício com precisão e estará consecutivamente um degrau acima do seu nível atual.

Até o próximo vídeo!

Michael Arce :: Mundo da Gaita

Brindes

2010-05-25T07:58:00.000-07:00

Blind Faith - Sea of Joy - 1969

Creedence Clearwater Revival - Down on the corner
Album: Willy and the poor boys

John Fogerty - Vocals :: Doug Clifford - Washboard :: Stu Cook - Washtub bass :: Tom Fogerty - Guitar

Bob Dylan - Blowing in the wind

Muddy Waters performing Hoochie Coochie Man and She's Nineteen Years Old, with Buddy Guy and Paul Oscher, from the movie Chicago Blues, in 1970.

The first recording of Me & Bobby McGee in the studio. Janis sounds amazing and completely nails it in one take. Is raw and unedited - features studio conversations at beginning. Enjoy!

Bardo, Trovador e Menestrel

2010-05-24T08:50:00.000-07:00

Bardo, na história antiga da Europa, era uma pessoa encarregada de transmitir as histórias, as lendas e poemas de forma oral, cantando a história de seus povos em poemas recitados. Era simultaneamente músico e poeta e, mais tarde, seria designado de trovador. É a principal raiz da música tradicional irlandesa.

Trovador, na lírica medieval, era o artista de origem nobre do sul da França que, geralmente acompanhado de instrumentos musicais, como o alaúde ou a cistre, compunha e entoava cantigas. Normalmente, os trovadores eram homens, mas houve trovadoras (em provençal ou occitano trobairitz), também nobres. Suas correspondentes nas classes inferiores eram as jogralesas (joglaresses em provençal).

Menestrel, na Europa medieval, era o poeta e bardo cujo desempenho lírico referia-se a histórias de lugares distantes ou sobre eventos históricos reais ou imaginários. Embora criassem seus próprios contos, muitas vezes memorizavam e floreavam obras de outros. À medida que as cortes foram ficando mais sofisticadas, os menestréis eram substituídos por trovadores, e vários deles tornaram-se errantes, apresentando-se para a população comum, tornando-se assim os divulgadores das obras de outros autores.

Fonte: Wikipedia

Grizzly Prospector + Old Mountain Radio

2010-05-22T14:00:00.000-07:00

Já tem um certo tempo que descobri esse álbum, mas nunca pude compartilhar a experiência que é ouvi-lo, talvez porque meus amigos não gostem ou se quer entendam o meu gosto de música.

Parker Yates é o homem por trás do grizz, não se sabe muito sobre ele, mas o fato é que com canções melancólicas e simples, frágeis e tangíveis, com melodias doces e a voz frágil. Cantando sobre amor, homens da montanha, ursos, o narrador apresenta o álbum, com um sotaque cajun inexplicável.

É um álbum extremamente brilhante embora. Um que pode ter sido construída cuidadosamente, mas que ainda dá a impressão de ter casualmente deriva ao largo da ponta da língua de alguém uma noite e escorria lentamente em forma registrada em nenhum outro fim que não aquele em que ocorreu a fundir-se, como anéis de fumaça à deriva em um fora de forma, contra um céu crepuscular.

Gostaria de ter encontrado mais sobre esse Álbum e o cara que canta, mas não consegui. O legal é que ele disponibilizou seu disco gratuitamente. Assim você clica ali na capa do Álbum para fazer o download.

OLD MOUNTAIN RADIO

Faixas:

01.introdução / Old Mountain Strum
- Escrita e gravada em WinterQuarters em 2008.

02. BARE HANDS
- Escrito 21 de fevereiro de 2006. gravado em WinterQuarters) em 2008.

03. Old bear
- Fez-se no meio de gravação (em WinterQuarters) em 2008.

04. Medley (live)
- Gravado ao vivo em 88,1 WMBR: Telefonar para dentro. - O produto final a aparecer em ciclos. - "Devoted To You", de Felice e Bryant Boudleaux . - "All the times..." adaptado de "Father And Son", de Cat Stevens.

05. Gimmie Gimmie (again)
- Escrita e gravada no meu sótão (mesmo antes da concepção de "reparação"), Inverno 2007.

06. Instrumental
- Escrita e gravada em WinterQuarters em 2008.

07. Child's prayer
- Gravação demo, escrito na sequência de uma morte trágica. Produto final "For grace and carly" para aparecer em ciclos.

08. Prelude
- Gravado durante o início das sessões de "These are songs".

09. Oh! Grizzly Me (slow) (live)
- Gravado ao vivo em 88,1 WMBR.

10. EVERYTHING
- Fez-se como um aquecimento vocal. registrados durante o início das sessões de "These are songs".

11. Old Mountain Hum
- Editado em "Old Mountain Strum" (em WinterQuarters) em 2008.

12. PROSPECTING
- Constituída como um aquecimento vocal. registrados durante o início das sessões de "These are songs".

13. Amends
- Gravação demo, escrito e gravado no inverno 2007. Produto final a aparecer em ciclos.

14. Instrumental
- Escrita e gravada durante a estadia em Portland, no Outono de 2006. Parte do início das sessões de "These are songs".

15. Somewhere
- Escrito em Portland, no Outono de 2006. Parte do início das sessões de "These are songs". regravada (em WinterQuarters) em 2008.

16. HANDS BEAR
- Escrito em parceria com a "BARE HANDS", em 21 de fevereiro de 2006. registrados em WinterQuarters em 2008.

17. True love will find you in the end
- Escrita por Daniel Johnston. registrados em WinterQuarters em 2008.

18. Gimmie Gimmie
- Gravado em WinterQuarters em 2008.

virb :: myspace

The Lullabys

2010-05-18T08:54:00.000-07:00

Composto pelos irmãos Gav e Jules Roberts, que tiveram uma infância com muito Abba, Simon e Garfunkel, Glen Campbellandother e Beatles, logo começaram a tocar e por fim gravar as próprias músicas, lá nos anos 90.

Mas o material foi rejeitado pelas gravadoras, levando o grupo a uma pausa de dez anos. O sonho foi deixado de lado.

Porém em 2008, a criatividade começou a fluir. Motivados a recomeçar a tocar novamente, fizeram, "The Long Goodbye", e ao invés de olhar para a fama e fortuna, fizeram do The Lullabys um canal para expressar as emocões.

"The Long Goodbye" foi resultado de um ano de turbulência emocional - um ano de amor, perda e esperança. Assim, as canções em si são emocionais, acústico e folk-rock. A música tem que ser emocional. Tem que ter esse segredo "algo", seja nas palavras ou, principalmente, no nosso caso, a música e melodia própria.

Permita-se conhecer The Lullabys!

www.thelullabys.com :: www.myspace.com/thelullabys

Bluegrass Banjo

2010-05-17T16:07:00.000-07:00

Instrumento que consiste basicamente de um aro de metal revestido com couro, possui 5 cordas de metal em seu braço longo e fino.

Foi desenvolvido pelos escravos nos EUA, claramente inspirado em instrumentos da África, foi adotado por artistas brancos, está presente em Bluegrass, Folk e Country. Tendo também grnade importância no Jazz.

Brindes

2010-05-13T05:35:00.001-07:00

Crosby Stills & Nash - Teach Your Children 1977

Cream's old promotional video "I Feel Free." This is the original recording from the 1966 album, "FRESH CREAM," but with a new stereo mix. Some people may like this new mix, but some purist may not. Enjoy.

Led Zeppelin perform "Stairway to Heaven" live at Earls Court 1975.
From the official Led Zeppelin DVD (2003). LedZeppelin.com

UDO MUSIC FESTIVAL
2006 Live at Fuji Speedway - 2006.7.22

Jeff Beck :: Jason Rebello :: Randy Hope-Taylor :: Vinnie Colaiuta

Mulheres no Blues - Big Maybelle

2010-05-12T04:51:00.000-07:00

Big Maybelle foi uma das representantes do ‘jump blues’, um blues normalmente desempenhado por pequenos grupos e apresentando metais, muito popular na década de 40 e foi chamado de rock and roll na década de 1950. Maybelle foi também representante do New York Blues um blues urbano, moderno, caracterizado por significativa influência do jazz; do East Coast Blues e principalmente do rhythm & blues. Cantora e pianista foi uma das que mais vendeu na era de ouro do r&b. Nascida Mabel Louise Smith em Jackson, Tennessee, ela cresceu cantando no coral da igreja local. Em 1932 ganhou um prêmio cantando blues em um concurso amador em Memphis com a idade precoce de oito. Passou a se apresentar em um cabaré e depois saiu em turnê com uma banda de garotas chamada ‘Sweethearts of Rhythm’ até ser descoberta em 1935 cantando na igreja de Memphis por Dave Clark, líder de uma banda local. A música gospel foi um elemento importante no estilo intenso de Maybelle, mas a igreja não era grande o suficiente para manter o seu talento. De 1936 a 1940, ela viajou com a ‘Christine Chatman Orchestra’ e em 1944 ela gravou com Christine para o selo Decca. Durante a década de 1950, Maybelle cantou com as ‘Quincy Jones Orchestra’, ‘Kelly Owens Orchestra’ e ‘Danny Mendelsohn Orchestra’. Em 1952, ela assinou com a Okeh Records, cujo produtor Fred Mendelsohn lhe deu o nome artístico ‘Big Maybelle’ devido ao seu corpo grande e obeso e voz volumosa e ressonante capaz de sacudir qualquer casa sem precisar de um microfone. Foi considerada a versão feminina de Big Joe Turner, cantor de blues. Os dois eram os originais ‘shouters’ (gritadores), estilo que renderia seguidores como Little Richard, Arthur Alexander e vários outros, duas décadas depois.

Em 1953 alcançou sucesso com os hits ‘Gabbin' Blues’, ‘Way Back Home’ e ‘My Country Man’. Em 1955 gravou ‘Whole Lotta Shakin' Goin' On' que mais tarde se tornou um grande sucesso de Jerry Lee Lewis. A sua versão de ‘Candy’ em 1956 trouxe mais sucesso e em 1958, o diretor Bert Stern imortalizou a sua imagem viva cantando em seu documentário ‘Jazz On A Summer's Day’, filmado em cores no 'Newport Jazz Festival' juntamente com Mahalia Jackson e Dinah Washington. Apesar de sua reconhecida influência nos estilos soul dos anos 60, as várias gravações que fez para vários rótulos inclusive a Chess tiveram pouco impacto até que ela assinou com a gravadora Rojac em 1966. Sendo convencida a gravar alguns sucessos recentes dos Beatles e Donovan teve algum sucesso nas paradas menores com suas próprias versões de ‘Don't Pass Me By’ e ‘Eleanor Rigby’. Mesmo assim, Maybelle nunca foi capaz de alcançar o estrelato que seu talento merecia. No seu auge, Maybelle lutou contra o vício de heroína. Desde o final dos anos 60, ela se apresentou de forma esporádica e morreu em 1972 de um coma diabético, em Cleveland, Ohio. Seu último álbum, ‘Last Of Big Maybelle’, foi lançado postumamente em 1973.

por Mara, do pintando música

Hotel Califórnia

2010-05-11T09:13:00.000-07:00

Com a letra bem abstrata, não demorou a surgir muitas teorias em relação à letra da música, desde que o Hotel Califórnia seria um prostíbulo, até a versão mais difundida de que se trata de uma igreja do diabo.

No entanto em uma entrevista, os integrantes do Eagles afirmaram que a música fala sobre os efeitos das drogas.

E de fato, "Hotel Califórnia" foi o nome dado ao "Camarillo State Hospital", localizado no Município de Ventura, entre Los Angeles e Santa Bárbara, que esteve em operação de 1936 a 1997. Durante o seu apogeu entre as décadas de 1950 e 1960, o Hospital estava na vanguarda do tratamento de pessoas com problemas mentais. Exemplo disto foram os procedimentos médicos desenvolvidos para a esquizofrenia. Muitos destes programas iniciados no "Camarillo" ajudaram pacientes, anteriormente relegados a uma vida de confinamento em uma instituição, serem capazes de sair do hospital e se tornarem (pelo menos quase) independentes. O Hospital continuou a ser um líder na pesquisa de medicamentos e terapias nos anos subseqüentes. Fora um dos primeiros a lidar com autismo.

O hospital encerrou suas atividades em final de Junho de 1997 com os pacientes, pesquisas e instalações movidas para outros locais. Devido à proximidade com a mídia de Los Angeles, foi referido em filmes, televisão e música. Alguns famosos que sofreram de doenças mentais, tuberculose ou desintoxicação por drogas ou álcool, estiveram lá para se recuperar. Charlie Parker Jr. escreveu, enquanto esteve se desintoxicando do vício de heroína, "Relaxing in Camarillo".

"Camarillo" foi destinado a se transformar em uma prisão, contudo, por interesse da comunidade, hoje é a Universidade do Estado da Califórnia. A maioria dos edifícios do Complexo foram preservados e restaurados, inclusive a torre com sino das missões, original de 1930, que é referenciado nesta música, entre outros.

De fato vemos muitas referências sobre as drogas na letra...
Por exemplo:

"Você pode desocupar o quarto a qualquer hora que deseje, Mas você nunca pode ir embora!".

Seria o mesmo que mostrar se torna dependente das drogas pode até dar um tempo, mais na real, nunca conseguem se libertar por completo. E é isso que se aprende no AA, você está curado, desde que não de o primeiro gole.

Tiffany, seria a personificação da droga, ela tem muitos amigos (dependentes), que a usam para:

"Como eles dançam no pátio, doce suor de verão, Alguns dançam para lembrar, alguns dançam para esquecer."

Afinal uns usam drogas por prazer, outros para esquecer o sofrimento do cotidiano real...

"Minha cabeça ficou pesada e minha visão ficou turva, Eu tinha de parar por causa da noite."

Dizem que isso acontece com quem está em crise de abstinência...

"Este poderia ser o Paraíso ou este poderia ser o Inferno".

De inicio é tudo muito bom, mais quando a dependência pega é que começa o problema...

"Cheiro ardente de baseado, se arguendo pelo ar. Mais afrente na distância, eu vi uma luz cintilante."

Um sonho onde o cara fica preso, uma alucinação, uma clinica pra dependentes...

Mas no final, não se surpreenda e nem tente entender muito. A maioria dos clássicos do foram compostos sob efeito de inúmeras substâncias ilícitas, que sabe lá o que esses malucos faziam.

Clique na foto abaixo para conhecer o verdeiro Hotel Califórnia.

Música por Música

2010-05-11T04:35:00.000-07:00

Acho bacana divulgar os caras que fazem música pelo simples fato de fazer música, por isso colocarei aqui, vídeos de artistas de rua, mostrando o que fazem.

Estes são Eddie Barbash e Jessie Scheinin - eles são ambos gênios. Upper West Side, em Manhattan. Cidade de Nova York. Primeiro dia de primavera. 2009.
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This are Eddie Barbash and Jessie Scheinin--They're both geniuses. Upper West Side, Manhattan. New York City. First day of spring. 2009.